El mundo de la imagen

.::STOP-ACTA. Internet freedom

2012-02-11T16:52:00.001-08:00

Stop ACTA & TPP: Tell your country's officials: NEVER use secretive trade agreements to meddle with the Internet. Our freedoms depend on it!

I urge you to vote no on ACTA and to communicate its severe problems to your colleagues. ACTA's vague language locks us into obsolete copyright and patent laws, preventing democracies from updating their laws to unlock new economic and social opportunities.It criminalizes harmless remixes by ordinary users if they achieve 'a commercial scale' (art 2.14.1) which many amateur videos do on sites like Youtube. And it criminalizes legitimate websites by making them responsible for user behavior ('aiding and abetting' art 2.14.4).Worse, it permanently bypasses the democratic process by empowering the 'ACTA Committee' to 'propose amendments to [ACTA]' without your approval. (art 6.4) In other words, it's impossible to know what you're voting for.The global movement against the US law SOPA showed that internet freedom is a crucial issue which belongs in the legislative process of each country. You should view ACTA as an attempt by a handful of companies to circumvent the democratic process, and you should vote against it.Thank you. Please reply if you have any questions.<span class="Apple-tab-span" style="white-space:pre">    </span>

For European users, this form will email every MEP with a known email address.
Fight For The Future may contact you about future campaigns. We will never share your email with anyone. Privacy Policy

.::UN HATE. La nueva campaña de Benetton

2011-11-18T09:38:00.001-08:00

Desde ayer, los encuentros cibernéticos me han llevado a ver una serie de campañas comerciales con mucho contenido, desde los miniclips de Sprite que muestran proyectos vivos de gente local, hasta una de las campañas más controversiales de este año que dice mucho del clima político que estamos viviedo. Se las comparto.

Asi comienza. The film UNHATE by French director Laurent Chanez, tells of the precarious balance and complex interweaving between the drive to hate and the reasons to love.

Benetton Campaña Unhate. Lider supremo de Corea del Norte y el Presidente de Corea del Sur.

Campaña Benetton Unhate "Contra el Odio". El Papa Benedicto XVI y Sheikh Ahmed Mohamed el-Tayeb

Campaña Benetton Unhate "Contra el Odio". Angela Merkel (Alemania) y Nicolas Sarkozy (Francia)

Campaña Benetton Unhate "Contra el Odio". Obama (EUA) y Hugo Chávez (Venezuela)

Campaña Benetton Unhate "Contra el Odio". Obama (EUA) y Hu Jintao (China)

el presidente palestino, Mahmoud Abbas, y el primer ministro israelí Benjamin Netanyahu

Visiten la página de Benetton: http://unhate.benetton.com

.::III BIENAL de Pintura Pedro Coronel. Convocatoria

2011-11-14T08:01:00.001-08:00

III Bienal Pedro Coronel 2011

Convocatoria
EL GOBIERNO DEL ESTADO DE ZACATECAS, A TRAVÉS DEL INSTITUTO ZACATECANO DE CULTURA "RAMÓN LÓPEZ VELARDE", EL CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES, EL INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES, EL MUSEO PEDRO CORONEL Y FIDEICOMISO PEDRO CORONEL, CONVOCAN A LA:
III BIENAL DE PINTURA PEDRO CORONEL
Objetivos
CON LA FINALIDAD DE HONRAR LA MEMORIA DEL MAESTRO PEDRO CORONEL Y DE ACUERDO CON SU VOLUNTAD, DE CONTRIBUIR Y FOMENTAR LA CULTURA LOCAL Y REGIONAL, ASI COMO AMPLIAR LAS PERSPECTIVAS Y DESARROLLO DE LOS CREADORES PLÁSTICOS DE NUESTRO PAÌS, LAS INSTITUCIONES CONVOCANTES ACUERDAN EMITIR LA PRESENTE CONVOCATORIA, LA CUAL SE SUJETARA A LAS SIGUIENTES BASES:
Bases
Sobre los participantes y las obras
1.- Pueden participar los y las artistas mexicanos radicados en el país o en el extranjero, y las y los extranjeros que vivan en el país, comprobando documentalmente una residencia mínima de cinco años en México.
2.- Cada artista puede participar con una obra y no más de cuatro, entre las cuales se seleccionarán únicamente una o dos, a juicio del Jurado calificador.
3.- Las obras presentadas deberán ser inéditas (no haber participado en otra promoción, ni expuestas o publicadas) propiedad del autor, realizadas entre el año 2009, al cierre de la convocatoria.
4.- El tema será libre y la técnica deberá ser estrictamente pintura.
5.- El formato deberá ser como máximo 170 cms., x 170 cms., x 10 cms. de espesor, incluido el marco, y un peso no mayor de 100 kilogramos.
6.- No podrán participar en el certamen: Las y los empleados, las y los colaboradores de las instituciones culturales convocantes.
7.- Cualquier trabajo que no se apegue los términos contenidos en los puntos 3, 4, 5 y 12, será automáticamente descalificado.
8.- De las solicitudes que se reciban, el Jurado seleccionará aquellas que deberán conformar la exposición y serán sujetas a calificar para las ganadoras.
9.- En caso de ser seleccionadas, las obras deberán presentarse debidamente montadas o enmarcadas y listas para su exhibición.
10.- Los y las participantes al firmar su documentación aceptan acatar estrictamente las bases de este certamen y las decisiones del Jurado calificador, las cuales serán inapelables, renunciando con la firma de la solicitud de inscripción de forma expresa a toda acción o reclamo, así como a compensaciones o beneficios no estipuladas en las presentes bases.
Del comité organizador
11.- El comité organizador estará integrado por el Gobierno del Estado a través del Instituto Zacatecano de Cultura "Ramón López Velarde"; Consejo Nacional para la Cultura y las Artes; Instituto Nacional de Bellas Artes; Museo Pedro Coronel; Fideicomiso Pedro Coronel y la Familia Coronel.
Envío y recepción de documentación
12.- Los participantes tendrán como fecha límite el 25 de noviembre del 2011, para enviar la siguiente documentación:
a).- Dos fotografías de 5 x 7 pulgadas y dos imágenes digitales de 1024 x 768 píxeles en formato digital jpg, en cd por cada propuesta (en caso de ser mas de una propuesta será un solo cd), anexando ficha técnica completa, especificando: seudónimo, título de la obra, fecha de realización, técnica empleada, dimensiones (altura y longitud), así como avalúo.
La documentación antes mencionada, deberá ser entregada en un sobre identificado con un seudónimo y el número 1.
b).- En otro sobre, cerrado, identificado con el seudónimo y el número 2, mismo que será abierto solo en caso de ser seleccionados, se enviarán los siguientes documentos:
Formato de inscripción lleno por duplicado, el cual se podrá obtener en: www.bienaldepinturapedrocoronel.com y en las oficinas del Museo Pedro Coronel.
Currículum vitae, no mayor a una cuartilla, con comprobantes documentales de exposiciones.
Para este efecto, se asignará un número clave confidencial para la devolución de la documentación recibida.
Para los documentos enviados por correo o paquetería, se considerará la fecha de mata sellos o factura de envío, en caso de llegar en fecha posterior al cierre de la convocatoria.
13.- Los sobres podrán entregarse personalmente, por correo o servicio de paquetería en el Museo Pedro Coronel con domicilio en Plaza Santo Domingo s/n, Col. Centro, Zacatecas Zac. México, C.P. 98000. Dirigido a: III Bienal de Pintura Pedro Coronel. Teléfonos: (492) 9 24 16 63 y (492) 922 80 21. (Horario: de 10:00 a 17:00 horas, de lunes a viernes)
Selección de obras y envíos de trabajos
14.- Las sesiones de trabajo, para la preselección con el material fotográfico, se llevará a cabo los días 24, 25 y 26 de febrero del 2012.
15.- Los participantes que resulten seleccionados serán informados vía fax, telefónica, correo electrónico o por servicio postal, entre los días 27 de febrero al 2 de marzo 2012, para que envíen la (s) obra (s) seleccionada (s) antes del 6 de abril, al Museo Pedro Coronel. En el caso de no recibirse en la fecha límite serán descalificadas.
16.- Los gastos de embalaje, transporte, envío y devolución de obra, (ver punto 21) así como del seguro en el trayecto al Museo Pedro Coronel, corren por cuenta de los participantes. En el caso de las y los artistas mexicanos radicados en el extranjero, se harán responsables de los trámites de envío y devolución de las obras (embalaje, aduana, papelería, almacenaje y seguro). La Bienal Pedro Coronel, sólo se hará responsable de la conservación y seguridad de las piezas seleccionadas a partir de que estas hayan sido recibidas en buen estado en el Museo Pedro Coronel.
17.- Los expedientes de las obras no seleccionadas deberán recogerse en el Museo Pedro Coronel en un plazo límite de 30 días a partir de los resultados de la selección de las obras, cumplido el plazo, los participantes no podrán exigir su devolución por ningún medio.
18.- La sesión de trabajo para seleccionar las tres obras con carácter de adquisición, y las menciones honoríficas, será realizada en las salas de exposición, los días 20, 21 y 22 de abril, a puerta cerrada.
Entre los días 23 al 30 de abril, se notificará a los ganadores vía correo electrónico, telefónica, fax o por servicio postal, así como en rueda de prensa.
Premiación y exhibición
19.- El Gobierno del Estado de Zacatecas y el Instituto Zacatecano de Cultura "Ramón López Velarde", otorgarán tres premios con carácter de adquisición, el primer lugar por $ 150,000.00, $ 100,000.00 al segundo lugar y $ 50,000.00 al tercer lugar, un galardón a cada uno de ellos, además de 5 menciones honoríficas. Se entregarán constancias a los participantes que no sean seleccionados. Las tres obras seleccionadas pasarán a formar parte del acervo del Gobierno del Estado, depositado en el Museo Pedro Coronel de Zacatecas.
Al ganador del primer lugar se le invitará a realizar una exposición individual en el Museo Pedro Coronel dentro del marco del homenaje luctuoso al Mtro. Pedro Coronel y salida de convocatoria IV Bienal en el año 2013.
20.- El jurado calificador estará integrado por 5 personas de reconocida trayectoria artística e intelectual. Sus nombres se darán a conocer con oportunidad. El fallo del jurado será inapelable y se dará a conocer públicamente en el homenaje al Maestro Pedro Coronel el día 25 de mayo 2012. En la misma fecha se entregarán los premios correspondientes.
21.- La exposición se inaugurará en el marco del homenaje al maestro Pedro Coronel, 2012 y estará montada hasta el 20 de julio del mismo año. Se informará a los artistas vía correo electrónico, telefónica, fax o servicio postal, para que pasen a recoger sus obras. Después de la notificación, se contará con un plazo de cinco semanas para recogerlas, vencido el mismo, los participantes no podrán exigir su devolución por ningún medio. Las obras retiradas del Museo, serán responsabilidad de los artistas.
22.- Cualquier caso no considerado en la presente convocatoria, será resuelto a criterio del Comité Organizador y el jurado.
Mayores informes: bienal2pedrocoronel@yahoo.com

http://www.pedrocoronelbienal.comVisita la página

.::LA MOSCA EN LA CENIZA. Film inaugural del FICA 2011

2011-11-08T13:05:00.000-08:00

Con un foro lleno, se inauguro el pasado 4 de Noviembre la primer edición del Festival Internacional de Cineastas Americanas (FICA) en el CineForo de la U de G.

La pelicula seleccionada para abrir la muestra fue "La Mosca en la ceniza" de la cineasta argentina Gabriela Marin, (quien falleció el año pasado). Su esposo, quien nos honrró con su palabras de presentación y quien produjo un video con algunas entrevistas a sus actores, nos acercó a la visión de una cineasta cuya pasión por el cine ejemplifica perfectamente la idea medular del sentido del festival: -mas que mostrar la visión del cine proveniente de la perspectiva de un ojo femenino, es mostrar una perspectiva individual del talento de quien lo trasciende y lleva a la pantalla una visión única de su arte, con propuesta y con caracter- como lo es la pelicula de Gabriela David, como ella misma lo fue a lo largo de su carrera.

Les dejo la reseña que encontre en un blog dedicado a la pelicula, realmente vale la pena que la vean

La Mosca en la Ceniza
A Fly in the Ashes

Una película de Gabriela David

La mayor sigue a la menor. Desde su pueblo natal, en una zona del noroeste argentino, vienen Nancy y Pato, dos amigas, casi hermanas.

La mayor es medio tonta y analfabeta. La menor cree posible una vida un poco mejor. Pero en Buenos Aires, víctimas de un engaño, deberán trabajar en un prostíbulo. Cautivas y sin identidad, son esclavizadas como otras chicas aún más jóvenes que ellas.

La menor intentará huir hacia un exterior donde nadie parece escuchar ni ver lo que allí dentro sucede.

La mayor se adaptará mejor y, por primera vez en mucho tiempo, será quien cuente con más recursos para cuidar a la otra.

Sólo juntas podrán encontrar la liberación. Pato sin Nancy, moriría. Nancy, por si misma, nunca tomaría la decisión de intentar la fuga.

The older follows the younger. From their hometown, in a zone of Argentinean northeast, come Nancy and Pato, two friends, as close as sisters. The older is kind of dumb and illiterate. The younger belives a somewhat better life is possible in Buenos Aires. However, victims of an entrapment, they´ll have to work at a whorehouse. Captives and with no identity, they´re enslaved just like other girls. The older will adapt better.The younger will try to flee to an outside where nobody seems to hear or see what goes on in there. Only together they´ll be able to find their liberation. Pato without Nancy, she´d die. Nancy, on her own, would never take the decision to try to escape.

Les dejo el Link del blog:

http://lamoscaenlaceniza.blogspot.com/

.::MASTER CLASS. Cine Africano. Martes 8 de Noviembre de 2011

2011-11-03T10:22:00.000-07:00

Este Martes 8 de Noviembre, dentro de las presentaciones previas a la FICG 2012 se llevará a cabo en el Museo de las Artes una clase magistral sobre Cine Africano Contemporáneo por Mahen Bonetti.

Para los que quieran saber algo sobre Mahen Bonetti, ella es la fundadora y la directora ejecutiva del festival de cine africano en New York NYAFF que este año (2011) llevo a cabo su 18va realización. La NYAFF se ha vuelto una institusión en si misma ya que su inovadora red para la promoción exhibición y distribución del cine africano ha tenido gran incidencia en los Estados Unidos. La NYAFF surgio en los 80s con la idea de mostrar una cara diversa, positiva y visualmente realista que haga contra parte con el imaginario mediatico de la mayoria de las producciones estadounidenses que hacen referencia a africa en un contexto de miseria y lucha.

El horario de esta clase magistral sera de las 6pm a las 10. La entrada es gratuita asi que lleguen con tiempo para reservar sus espacios.

Saludos Cibernautas

Atte: Yolliztli Ruiz

.::FESTIVAL ITINERANTE DE CINEASTAS AMERICANAS. del 4 al 10 de Noviembre 2011

2011-11-02T22:52:00.000-07:00

Del 4 al 10 de Noviembre de 2011 en GDL se llevará a cabo el FESTIVAL ITINERANTE DE CINEASTAS AMERICANAS.

La selección de lo que veremos en pantalla tendrá desde largometrajes de ficción, documentales y dos bloques de cortometrajes.

Las cedes principales de proyección serán el cineforo de la UdeG, Cinepolis del Centro Magno y de Ciudadela.

También habrá conferencias, mesas de discusión, homenajes y presentaciones de libros entre sus actividades.

Les dejo el link de la pagina en la que pueden checar los horarios de proyección y las cedes.

Saludos cibernautas

http://lascontemporaneas.com/

Atte: Yolliztli Ruiz

.::EXPOS. El ICC expondrá 150 obras de la colección JUMEX

2011-10-07T15:02:00.000-07:00

Fundación/Colección Jumex, el Instituto Cultural Cabañas y Televisa Guadalajara presentan la exposición

Now: obras de La Colección Jumex

7 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012

© DOUG AITKEN (Estados Unidos, 1968): Now, 2009 / Caja de luz / 116.8 x 335.3 x 20.3 cm.

Now: obras de La Colección Jumex
Curaduría: Victor Zamudio Taylor
7 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012

Instituto Cultural Cabañas
Cabañas #8, Colonia las Fresas
Guadalajara, Jalisco, México
Email: difusionicc@jalisco.gob.mx
--
Esta exhibición —primera que presenta parte del acervo de La Colección en Guadalajara— abrirá sus puertas al público del 7 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012.

Now reunirá alrededor de 150 piezas de 84 artistas mexicanos y extranjeros en distintos medios tales como dibujo, pintura, escultura, fotografía y video.

Inspirada por la obra Now (2009) del artista Doug Aitken, el adverbio temporal now (ahora) subraya la contemporaneidad de las obras de arte de La Colección Jumex; y es sinónimo del sustantivo "presente", que significa presenciar y percibir, experimentar —vivir— por primera vez algo.

Más que una lectura interpretativa o investigación tópica de La Colección Jumex, la muestra aborda una presentación que tiene como objeto destacar su amplitud, profundidad e identidad experimental. Si bien la exposición pretende cristalizar la actualidad, también subraya el carácter de índice cultural que tiene el arte. En el futuro y mirando desde ahí al pasado —lo actual de hoy en día—, las obras comunicarán aspectos clave de nuestra cultura contemporánea, tal como lo ha pensado Eugenio López Alonso.

Como exposición, Now: obras de La Colección Jumex opera con variados núcleos vinculados por una amplia gama del significado semántico del adverbio temporal "ahora". La arquitectura histórica del I.C.C. y su diseño como actual museo han determinado la conjugación de los temas en núcleos, a veces conglomerados, otras veces con disposición autónoma. Es certero armonizar con el inmueble para generar un desafío en torno a la presentación de arte contemporáneo que resiste por sus salas estrechas y rectangulares, expresión de su función inicial y diseño arquitectónico neoclásico.

El arte es un índice y, a su vez, en tanto que una muestra es también una práctica cultural, la contemporaneidad se convierte en un futuro barómetro de nuestras preocupaciones, privilegios visuales e ideas.

Esta exhibición estará acompañada de un amplio programa de actividades diseñado por Fundación/Colección Jumex y el Instituto Cultural Cabañas; así como la edición de un catálogo que será presentado en el marco de las actividades de la Feria Internacional del Libro 2011. Entre las actividades se encuentran charlas con artistas, mesas de discusión, proyecciones del programa Arte en construcción y un ciclo de cine.

Los núcleos que conforman la muestra son Hospitium, Antihéroe, Malestares/Modernidad, Sublime y (Básicamente) Pintura.

.::Dr. SCKETCHYs. anti-art school. GDL 30 de Sep 2011

2011-09-29T10:49:00.001-07:00

Dr. Sketchy’s Anti-Art School

-Sesiones de dibujo con modelo

en vivo. Temática:BurlesqueViernes 30 de septiembre,

20:30 horas

Centro Cultural Casa Vallarta.

Av. Vallarta 1668

Entrada: $50 (incluye 1 cerveza)

.::LA HISTORIA. capítulo extraído del libro "Dirigir cine" de David Mamet

2011-09-04T22:50:00.001-07:00

CONTAR LA HISTORIA

Las principales preguntas que un director debe responder son: "Dónde coloco la cámara?" y "Qué le digo a los actores"; y una más: "De qué se trata la escena?". Hay dos modos de enfrentar esto. La mayoría de los directores de Estados Unidos lo hacen diciendo: "Sigamos a los actores", como si la película fuese un registro de lo que hace el protagonista.

Ahora bien, si la película es eso, más valdrá que lo que el protagonista haga sea interesante. Es decir, en este enfoque el director se verá en la necesidad de dar una manera novedosa, interesante, de filmar la película y tendrá - él o ella- que estar cavile y cavile: "Cuál es el lugar más interesante de filmarla y que se entienda?, cuál es la manera más interesante en que puedo dejar al actor que se comporte en la escena en que, por ejemplo, ella se le declara?".

Así se hacen la mayoría de las películas en Estados Unidos, como un supuesto registro del comportamiento real de gente real. Hay otro modo de hacer una película, aquel en que Eisenstein sugirió que una película debería ser hecha. Este otro método no tiene nada que ver con andar siguiendo al protagonista; es más bien una sucesión de imágenes yuxtapuestas de forma tal que el contraste entre estas imágenes haga avanzar la historia en la mente del espectador. Esta es un formulación bastante sucinta de la teoría del montaje de Eisenstein; es también lo más importante que sé acerca de la dirección de cine, y, virtualmente, es lo único que sé.

Hay que dejar que la historia se cuente por medio de cortes. Es decir, de una yuxtaposición de imágenes en principio intencionadas. Eisenstein afirma que las mejores imágenes son aquellas que no están cargadas de intencionalidad alguna. Una toma de una taza. Una toma de una cuchara.Una toma de un tenedor. Una toma de una puerta. Que sea el corte el que cuente la historia, porque de otro modo no hay acción dramática, hay narrativa (si no es el corte lo que cuenta la historia, si la contamos nosotros a través de tomas que quieren "decir todo", tomas que cargamos de una intencionalidad cualquiera, entonces lo que hay es narrativa y no acción dramática). Si resbalamos hacia la narrativa, estamos sugiriendo que se están diciendo cosas importantes y la gente tendrá que estar adivinando por qué son importantes para la historia. Y eso no es importante. Sólo importa que la historia avance y que el público se sorprenda con ella.

A final de cuentas, el cine está más cerca del simple relato que el teatro. Atiéndase a la manera en que la gente cuenta historias y se verá que lo hacen cinematográficamente. Saltan de una cosa a la siguiente y la historia se mueve por la yuxtaposición de las imágenes, es decir, por elcorte.

Dicen: "Estoy parado en una esquina. Es un día neblinoso. Un montón de gente anda correteando como loca. Podría deberse a la luna llena. De pronto, un carro se acerca y un tipo junto a mí dice..."

Si se fijan, se trata de una lista de tomas: 1) alguien parado en una esquina; 2) neblina; 3) la luna llena; 4) un hombre dice: "la gente pierde la cabeza en esta época del año"; 5) un coche se aproxima...

Esto es buen cine, imágenes yuxtapuestas. Ahora se está atrapando por la historia. Qué, quisiera uno saber, va a pasar después?

La unidad más pequeña es la toma; la más grande es la película; y la unidad que más ha de ocupar la atención del director es la escena.

Primero, la toma: es la yuxtaposición de las tomas lo que hace avanzar a la película. La escena se hace con varias tomas. La escena es un ensayo formal. Es una película en pequeño. En un sentido, se la puede pensar como un documental.

En los documentales se utilizan, básicamente, tomas sin relación entre sí, que son yuxtapuestas para dar al espectador la idea que el cineasta quiere transmitir. Por ejemplo: pietaje de pájaros picoteando varitas y pietaje de un cervatillo alzando la testa. Los dos tomas no tienen nada que ver una con la otra. Fueron filmadas con diferencia de horas o años, y de kilómetros. Y el documentalista yuxtapone las imágenes para dar la idea de estado de alerta. Las tomas no tienen que ver entre sí, no son el registro de lo que ningún protagonista hizo, no son el registro de cómo reaccionó el ciervo ante los pájaros. Son, básicamente, imágenes inintencionadas, pero cuando se las yuxtapone hacen que el espectador perciba la idea de estado de alerta ante el peligro. así se hace el buen cine.

Los directores debieran querer filmar así. Todos deberíamos desear ser documentalistas y tendríamos una ventaja: la de poder preparar y filmar exactamente las imágenes inintencionadas que requerimos para nuestra historia, las cuales luego yuxtapondríamos. En el cuarto de edición, uno siempre piensa: "Cómo quisiera tener una toma de..." Bien, se cuenta con mucho tiempo antes de filmar la película; se puede determinar la toma que hará falta después y tomarla durante el rodaje. Casi nadie en éste país sabe cómo escribir un guión de cine. Casi todos los guiones contienen cosas que no pueden ser filmadas.

Por ejemplo: "Nick, un tipo joven, treinta y tantos, preso de un capricho por lo inusual." No se puede filmar. Cómo se filma? Uno más: "Jodie, una chica muy a la moda y muy farolera, lleva treinta horas sentada en la banca." Esto cómo se hace? No se puede. O sólo se puede acogiéndose a la narrativa (visual o verbal). Visual: Jodie mira su reloj. Disolvencia... Treinta horas después. "Vaya, con lo farolona que soy, no es poco martirio llevar treinta horas atornillada a esta banca." Si algo no queda claro sin recurrir a la narración, entonces es casi seguro que no es importante para la historia (lo que es decir: para el espectador). El público no pide información, pide drama. Entonces, a quién le hace falta la información? Pol lo visto, a la mayoría de los guiones norteamericanos empantanados en el pesado tedio narrativo.

Casi todos los guiones han sido escritos no para el público, si no para los ejecutivos de los estudios de cine, quienes son analfabetas en lo que a leer guiones se refiere. Todos. Ninguno sabe leer un guión. Un guión de cine debe contener una yuxtaposición de tomas inintencionadas que cuentan la historia. para leer un guión y para "ver" la película, se ha de requerir de alguna educación cinematográfica o de cierta inocencia, y ninguna de las dos es cualidad que pueda encontrarse en los ejecutivos de los estudios de cine.

El trabajo del director es el de armar la lista de tomas a partir del guión. Ya en la locación o el estudio el trabajo es cosa de nada. Todo lo que hay que hacer es mantenerse despierto, seguir el plan, ayudar a los actores a no ser intensos ni enigmáticos, sino simples, inafectados, y conservar el sentido del humor. La película se dirige a la hora de hacer la lista de tomas. Más tarde, todo se reducirá a registrar lo que se decidió debía ser registrado. Es el plan el que hace la película.

No puedo presumir de experiencia alguna en las escuelas de cine. Mi sospecha es que son inútiles, porque he pasado por la experiencia de las escuelas de teatro y las he hallado buenas para nada.

Las escuelas de teatro -casi todas- enseñan lo que de todos modos será aprendido por cualquiera en el curso normal de los acontecimientos de la vida, y se refrenan de siquiera pensar en ofender a la dama o al caballero estudiantes de las artes liberales, ofreciéndoles capacitación en un oficio tangible. Quiero suponer que las escuelas de cine hacen lo mismo. Qué deberían enseñar las escuelas de cine? Un entendimiento de la técnica de yuxtaposición de imágenes inintencionadas, para engendrar en la mente del espectador la progresión de la historia.

La Steadicam (una cámara portátil), como muchas otras maravillas tecnológicas, trajo su cuota de perjuicios; ha perjudicado al cine norteamericano porque al volver demasiado fácil andar siguiendo al protagonista por todas partes, ya no se tiene que pensar: "cuál es la toma?" o "dónde coloco la cámara"; ahora se piensa: "puedo filmarlo todo en una mañana". Entre más cautive el trabajo de esa mañana al revisar más tarde el material filmado, más será odiado después en el cuarto de edición. Porque los materiales que se revisan cada día tras la jornada de filmación no son para entretener o divertir al director; no son "peliculitas". Deberían ser tomas cortas inintencionadas que, eventualmente, puedan ser cortadas una contra otra para contar la historia.

He aquí por que las imágenes han de ser inintencionadas: dos hombres caminan por una calle. Uno de ellos le dice al otro... Ahora, lector estas escuchando, atiendes porque quieres saber qué sigue. La lista de tomas, y la filmación después, no deben tener más carga -emocional, significativa-, mas intención que la que puede apreciarse en los cortes que hacen la pequeña historia anterior: dos hombres caminan por una calle... uno empieza a hablarle a otro...

El propósito de la técnica es liberar el inconsciente. Seguir con dedicación las reglas permite que el inconsciente pueda actuar libremente, permite la verdadera creatividad. De otro modo, ésta se ve atada por el grillete de la mente consciente, que siempre quiere que la quieran y parecer interesante, aunque acaba aferrándose a la seguridad que ofrecen las cosas que sirvieron en el pasado y sugiere así lo obvio, el cliché. Sólo la mente apartada de sí misma y puesta en una cierta tarea obtiene el beneplácito para la verdadera creatividad.

La maquinaria que impulsa a una película es justo como el mecanismo de un sueño; pues, en verdad, no es acaso un sueño lo que la película terminará por ser?

Las imágenes en un sueño son ricamente variadas y espléndidamente interesantes. Y casi todas ellas son inintencionadas. Es su yuxtaposición lo que da fuerza al sueño. El terror y la belleza de un sueño nacen de la conexión entre mundanos pasajes de la vida sin previa ligazón. Si a primera vista esta yuxtaposición parece discontinua y desprovista de sentido, un análisis competente sacará a la luz la sofisticada sencillez que organiza su orden y que, entonces sí, claro está, encierra el más profundo significado. Verdad?

Otro tanto debiera ser cierto de una cinta. Una gran obra fílmica puede prescindir tanto como un sueño de ser un registro de los avatares de un protagonista. Me atrevo a sugerir que los interesados podrían dedicar más tiempo a leer sobre psicoanálisis; se toparán con un gran almacén de información, ya que básicamente ambas esferas son coincidentes: los sueños y las películas son imágenes yuxtapuestas para dar con las respuestas a las preguntas.

Recomiendo, por ejemplo: La interpretación de los sueños, de Sigmund Freud; Psicoanálisis de los cuentos de hadas, de Bruno Bettelheim; Recuerdos, sueños, pensamientos, de Carl Jung.

Toda película es, a fin de cuentas, una "secuencia onírica". Es de no creerse el impresionismo presente aun en la peor, la más enfadosa, la más hollywoodense de las películas. Pelotón no es ni más ni menos realista que Dumbo; lo que sucede, sencillamente, es que ambas cuentan bien su historia, cada cual a su manera. Dicho en otras palabras, todo es un juego en el que hay que creer, y la única cuestión es qué tan bien se le jugará.

desde este lado del monitor... hacia algun lugar perdido de la memoria

.::SEND MESSAGE. INTRO

2011-08-10T01:12:00.000-07:00

SEND MESSAGE (intro)

by Yolliztli Ruiz

SEND MESSAGE es un proyecto de animación experimental que tiene como fecha de salida a finales del año. En este primer miniclip se abordará el tema de la movilidad no combustible. Para los otros dos miniclips que conforman la totalidad de este proyecto las temáticas abordadas serán el discurso del género y de el cuidado del agua.

SEND MESSAGE es un proyecto audiovisual que tiene como objetivo lanzar mensajes cortos, entretenidos y concretos sobre la relación del humano y su mundo abordando temas actuales y de interés para diversos públicos.

Para este primer miniclip, el proceso de trabajo (desde la escaleta simple de la idea hasta el producto final) será compartido con toda la red de cibernautas en la siguiente dirección:

http://yolliztli.blogspot.com

Saludos cibernautas, estamos en contacto.

.::INVITACION AL FORO: "La cultura en Jalisco, responsabilidad de todos"

2011-06-27T07:26:00.000-07:00

.::LUNES 27 de JULIO de 2011. 10:00 hrs

Salón legisladores Jaliscienses "A" "B" y "C" del Palacio Legislativo del Estado de Jalisco. Av Hidalgo No. 222

Es importante a asistencia de todos los que quieran proponer mejoras a la difusión y la gestión de la cultura en Jalisco.

.::SERPIENTES PARA DESPERTAR. Cortometraje animado por Yolliztli Ruiz

2011-06-13T20:52:00.000-07:00

.::SERPIENTES PARA DESPERTAR.

Con este titulo Yolliztli Ruiz debuta como directora dando paso a su primer cortometraje animado que se espera salga a mediados del siguiente año.

Les dejo la sinopsis de la historia y un avance de animación para que se mantengan pendientes:

SINOPSIS

En una situación de abandono dentro de una familia caótica y disfuncional NIÑO tiene que enfrentar un evento que marcará su vida. Las sombras, la confusión, los recuerdos se volcan en un mundo lleno de distorsiones y represión dentro de una casa que encierra túrbios secretos.

.::SR NIÑO. El escape de la conciencia

2011-06-06T23:06:00.000-07:00

.::EL ESCAPE DE LA CONCIENCIA Así se titula la nueva producción cinematográfica que SR NIÑO traerá para nosotros este próximo 2012.

La historia trata de Juan, un personaje sin aspiraciones que parece ser incapaz de reaccionar a los sucesos que acontecen frente a él, hasta que en lo profundo de su ser se genera algo (obvio no lo escribiré aquí) que marca el paso a un suceso inesperado.

Les dejo un avance de esta historia para que la sigan muy de cerca

CORTOMETRAJE ANIMADO

por SR NIÑO

.:: MONARCA. Cortometraje en la muestra del Festival de Cine de Guadalajara

2011-03-26T15:52:00.000-07:00

SABADO 26 de 2011

Presentacion del cortometraje Monarca hoy en Cinemark de Plaza Milenium a las 8:45 de la noche dentro de la muestra de cortometrajes del Festival Internacional de Cine en Guadalajara. FICG.

.::CONVOCATORIA de Novela Gráfica. Editorial JUS

2010-04-25T12:39:00.001-07:00

.::LUIS CAMNITZER: Daros exhibitions

2010-03-04T07:09:00.000-08:00

Luis Camnitzer
Landscape as an attitude, 1979

Luis Camnitzer
mar11 - jul12 '10

inauguración:
10 de marzo

Daros Exhibitions
Limmatstrasse 268
8005 Zürich

http://www.daros-latinamerica.net

Con la exibicion de Luis Camnitzer, Daros Latinamerica se enfoca al arte conceptual.

Luis Camnitzer fue hasta hace poco desconocido para los seguidores del campo del arte conceptual. Sin embargo, podría considerarse una de las figuras clave del mundo del arte de la segunda mitad del siglo xx. Esta exposición individual que cuenta con unas 70 piezas creadas por el artista uruguayo entre 1966 y la actualidad, ofrece a los visitantes una perspectiva cercana de su obra.

Luis Camnitzer nació en Alemania en 1937, creció en Montevideo y vive y trabaja en New York desde 1964. Dejó huella internacionalmente no sólo como artista, sino también como crítico, educador y teórico del arte. Afín en lo formal al movimiento conceptual estadounidense de las décadas de 1960 y 1970, Camnitzer desarrolló a lo largo de los últimos 50 años una producción esencialmente autónoma y diferenciada sin lugar a dudas de la de sus colegas de los Estados Unidos por su detallismo fruto de una intensa observación, su ingenio mordaz, sus cualidades lúdico-líricas y su polivalencia irónicamente metafórica, así como por su firme compromiso sociopolítico.

La Daros Latinamerica Collection cuenta con la mayor colección institucional de obra de Camnitzer de todo el mundo, y precisamente a partir de ese capital se armó esta exhaustiva muestra.

Los visitantes están invitados a una exhibición pirotécnica de inteligencia: un conjunto con una coherencia y unos principios fuera de lo común que hace gala, al mismo tiempo, de un encanto disoluto y una madurez poética.

Publicación
La exposición va acompañada por un completo catálogo publicado en español e inglés por Hatje Cantz Verlag. Además de una conversación entre Luis Camnitzer y Hans-Michael Herzog, el volumen incluye textos de Sabeth Buchmann, Antonio Eligio Fernández (Tonel), Michael Glasmeier, Maren Welsch y Luis Camnitzer.

Presentación del catálogo
Domingo, 13 de junio de 2010, a las 18h

The Last Book
La Zentralbibliothek Zürich, biblioteca central de Zürich, presenta un proyecto de Luis Camnitzer: The Last Book, una colección de testimonios escritos y gráficos en formato A4. Más de 680 artistas de más de 50 países respondieron al llamado internacional del artista con el fin de contribuir a crear un legado para la posteridad.

Zentralbibliothek Zürich, Zähringerplatz 6, 8001 Zürich, www.zb.uzh.ch

.::CRONICAS DEL OESTE: Cómic Garage presenta

2010-02-24T09:56:00.000-08:00

COMIC GARAGE PRESENTA:

CRONICAS DEL OESTE, un compilado de historias ilustradas generadas por un muy talentoso grupo de 14 comiqueros que esta vez nos ofrecen un viaje al Medio Oeste desde su muy particular visión.

A demás de este número en Mayo del año pasado lanzaron al publico "Crónicas del fín del mundo", historia gráfica que también podrán adquirir en la presentacion.

La cita es el próximo 27 de febrero en La Casa Museo López Portillo. Para quienes no saben aun en donde se encuentra esta sobre la calle Liceo esquina con San Felipe, en el centro.

Asi que ya saben, este sábado no se pierdan esta oportunidad.

Saludos y ahi nos vemos.

.::PLEASE BE NICE. Exposición de Yolliztli Ruiz

2010-02-21T20:49:00.001-08:00

BRILLANTE RITUAL FRENTE AL VACÍO

Yolliztli Ruiz

2009

Acrílico sobre tela

VENDIDO

PLEASE BE NICE

Yolliztli Ruiz

2009

Óleo sobre madera

EN VENTA

CTRL

Yolliztli Ruiz

2009

Acrílico sobre tela

EN VENTA

YO TUBE

Yolliztli Ruiz

2009

Acrílico sobre tela

EN VENTA

I WANT YOU

Yolliztli Ruiz

2009

Acrílico y papel tapiz sobre tela

VENDIDO

IN THE MIDDLE OF SOMETHING

Yolliztli Ruiz

2009

Acrílico sobre tela

EN VENTA

WANNA BE

Yolliztli Ruiz

2009

Acrílico sobre tela

EN VENTA

WAKE UP

Yolliztli Ruiz

2009

Acrílico y papel tapiz sobre tela

EN VENTA

FDD-701LIFE

Yolliztli Ruiz

2009

Floppy Disk Drive y Acrílico sobre MD

EN VENTA

FDD-701DIE

Yolliztli Ruiz

2009

Floppy Disk Drive y Acrílico sobre MD

VENDIDO

LIVE FAST AND DIE YOUNG

Yolliztli Ruiz

2009

Acrílico y papel tapiz sobre tela

EN VENTA

LO BUENA ONDA NO SALE EN FOTOS

Yolliztli Ruiz

2009

Impresion digital, timbres postales y acrílico sobre tela

EN VENTA

WHO'S COME TO PLAY

Yolliztli Ruiz

2009

Impresion digital, timbres postales y acrílico sobre tela

EN VENTA

OBRA EN VENTA

Informes:

ojodemosca.multidisciplinario@gmail.com

cel: 044 3312308543

Sobre el artista:

http://yolliztli.blogspot.com

.::DJ FHARYDE: Female session @LARVA

2010-02-21T18:55:00.000-08:00

Esta es una muestra de la presentación en Female session de DJ Fharyde en LARVA.

les dejo la direccion de su blog:

http://fharyde-sound.blogspot.com/

Saludos!

.::TUTORIAL de PIXEL ART por DEREK YU. 3 de 3

2010-02-21T15:15:00.000-08:00

AQUI la ultima parte de su muy valioso tutorial. Saludos

NOTA:

SPRITE: Se trata de un tipo de mapa de bits dibujados en la pantalla de ordenador por hardware gráfico especializado

Parte 7: Dithering

La conservación del color es algo de lo que los spriters debemos preocuparnos mucho. Una forma de conseguir más sombras sin usar más colores es el "dithering" (punteado). Parecido al entramado en el arte tradicional, tomas 2 colores y los intercalas para obtener, en todas las ocasiones, una unión a pasos de 2 colores también llamado mezcla en degradados de trama.

Ejemplo simple

Una pequeña muestra de como usar dos colores para crear diferentes tipos de sombras haciendo dithering.

Ejemplo avanzado

Compara la imagen superior, realizada usando la herramienta de degradado de Photoshop, y la inferior, con sólo tres colores mediante dithering. Fijate en los diferentes modelos que hemos usado para crear los colores intermedios. Experimenta con otros patrones y escalas para conseguir más texturas.

Usando el Dithering

El dithering puede darle a tu sprite ( un carácter retro, debido a que muchos juegos viejos debían hacer dithering a fondo debido a su limitada paleta (los juegos de Sega Genesis tienen muchos ejemplos de dithering).No es algo que use muy a menudo, pero para aprender, aquí lo tenemos aplicado (muy aplicado) a nuestro sprite.

Puedes usar el dithering tanto o tan poco como quieras, pero, ciertamente es una técnica difícil de dominar y pocos lo hacen excepcionalmente bien.

Parte 8: Contorno Selectivo

El contorno selectivo o "selout", es como sombrear en el contorno. En lugar de usar el negro en toda la línea, usamos colores cercanos al interior del sprite.También, vamos variando el brillo del contorno alrededor del relleno del sprite, usando como fuente de luz la que nos dan los colores aplicados.

Hasta este punto, hemos mantenido el contorno negro. Y no hay nada malo en ello, de hecho el sprite se ve bien y mantiene bien separado las zonas del sprite de las circundantes (las que están cerca). Pero al usar el negro, sacrificamos más realismo del que realmente queremos, porque le da un estilo "dibujos animados". El selout es una buena forma de evitar eso:

Te habrás fijado en que además he usado el selout para suavizar los pliegues de los músculos. Nuestro sprite empieza a parecer un todo coherente, en vez de una masa de piezas separadas. Compáralo con el original.

Parte 9: Anti-alias

El anti-alias funciona bajo una norma: añadir colores intermedios a los finales de la línea que la suavicen hacia fuera con respecto al color de fondo. Por ejemplo, si tienes una línea negra en un fondo blanco, entonces añadirás píxeles grises a los bordes de la línea suavizandola hacia fuera. Parece raro, pero en realidad es simple.

Técnica 1: Suavizando curvas

Generalmente, añadirás tus colores intermedios en los bordes, porque es donde la línea se rompe y se ve desigual. Si sigue viendose desigual, añade otra capa de píxeles más ligera. Manten tus capas intermedias fluyendo en la dirección de la curva, de suave a fuerte.

Bueno...No creo que pueda simplificarlo más de como lo he explicado sin complicaros las cosas. Mira las imágenes y lo verás más claro

Técnica 2: Rodeando los bordes

Técnica 3: Suavizando finales de línea

Usando el anti-alias

Apliquemos la técnica al sprite. Ten en cuenta que si quieres que el sprite se vea bien en cualquier fondo, no debes usar antialias en los bordes exteriores. Si no, verás un lamentable especie de "halo" alrededor del sprite y contrario al fondo, haciendo que se vea tan feo como pegarle a tu padre con la escobilla del báter en navidades a las 7:30 mientras andas desnudo. A menos que el color de fondo no desentone mucho...

El efecto, como ves, es poco apreciable, pero marca la diferencia.

¿Por qué hacerlo a mano? ¿No es mejor con filtros?

Quizás te preguntarás ¿por qué no hemos usado simplemente un filtro de nuestro programa de dibujo para que parezca más suave? La respuesta es que ningún filtro conseguirá JAMÁS un acabado tan limpio como el que tienes al hacerlo a mano. Así tienes el control total, no solo sobre el número de colores usados, sino también donde los usas. Y tu sabes mejor que cualquier filtro que áreas deben ser suavizadas, y que áreas van a perder su calidad pixelada al hacer anti-alias.

Parte 10: Acabado

Bueno, quizás ya sea hora de que dejes un momento el ordenador y te tomes una bebida bien fría...¡pero no te relajes aún! La última parte separa a un novato entusiasta de un veterano experimentado.

Frena y fijate en tu sprite. Puede que aún sea un poco "áspero". Tomate tiempo para perfeccionarlo y afinar cada detalle. En vez de fijarte en lo cansado que puede ser, tómatelo con diversión, como si fuese un juego. Añade esos pequeños detalles que faltan para hacerlo más perfecto. Aquí, es donde se muestra tu experiencia y habilidad pixelando.

Quizás te preguntes porqué los ojos de Lucha Lawyer estaban perdidos todo este tiempo, o quizás porqué el papel estaba en blanco. Bueno, eso es porque eran pequeños detalles que he dejado para el final. Fijate también en las líneas que he añadido a sus muñequeras, las arrugas del pantalon y...bueno, ¿que es una persona sin pezones? También he oscurecido la parte baja del torso y así parece que su mano está más alejada del cuerpo

¡Ya está! Nuestro Lucha Lawyer tiene un peso lumínico de 45 colores (o más pesado, dependiendo de tu paleta) y mide aproximadamente 150x115 píxeles. ¡Ya puedes tomarte esa bebida!

Proceso al completo

Las cosas animadas son siempre divertidas, este gif te muestra la evolución del sprite.

Temas de cierre

1- Aprende los fundamentos del arte y practica con medios tradicionales. Toda la habilidad que tengas sobre dibujo y pintura afectará a tu forma de pixelar.

2- Empieza con sprites pequeños. Lo difícil es cómo meter un montón de detalles en tan pocos píxeles, no hacer sprites enormes (más complejos y trabajosos)

3- Fijate en obras de otros y no tengas miedo de ser poco original. Imitar el trabajo de otros es la mejor forma de aprender. Lleva tiempo conseguir tu propio estilo.

4- Si no tienes una wacom tablet, comprala. El hacer clicks repetidamente haciendo que te lleve más tiempo y el stress que conlleva y hayas tenido que pasar no impresionará a las chicas (o los chicos, si quieres) ni a nadie, solo el resultado. Yo uso un WacomGraphire2 pequeño, barato y viejo que me va muy bien (queda muy bien en la habitación sobre el escritorio y es muy portatil). Quizás con una tablet mayor te sientas más cómodo, ¡pero pruebalas antes de decidir!

5- Comparte tus trabajos con otros y recibe consejos y opiniones. Y quién sabe, ¡quizás conozcas nuevos amigos como tú!

6- Y si consigues dinero con esto del pixelado y el sprite...¡dame algo, que te he ayudado!

///

Y aquí acabamos. Le agrdezco a todo aquel que haya seguido este tutorial si confianza, y a todos aquellos que me han ayudado a entenderlo mejor para traducirlo bien.

Si por alguna razón algo no lo entendeis u os resulta difícil, comentad, encantado intentaré ayudaros.

¡Nos vemos!

.::TUTORIAL de PIXEL ART por DEREK YU. 2 de 3

2010-02-17T09:14:00.001-08:00

AQUI va la continuación del tutorial para pixel art de Derek Yu. Saludos

Parte 4: El esquema

Un contorno negro (line art) nos proporciona una buena estructura básica para el diseño, por lo que es el lugar perfecto para empezar. La razón por la que elegimos el negro es que es agradable y oscuro. Más tarde, os mostraré cómo se puede cambiar el color de las líneas para darle más realismo.

Dos vistas

Hay dos maneras de abordar el esquema, dibujando el contorno a mano alzada y luego limpiarlo, o ir colocando los píxeles como quieres desde el principio. Ya sabes, con "clic, clic, clic".

El enfoque que uses depende del tamaño del diseño y tu habilidad al pixelar. Si un diseño es muy grande, es mucho más fácil trazar las líneas a mano alzada para obtener la forma general y luego limpiarlo, que intentar hacerlo bien la primera vez.

En este tutorial, vamos a crear un diseño bastante grande, así que voy a usar el primer método. Es más fácil ilustrarlo con texto e imágenes.

Paso 1 - Esquema en seco

Usando el ratón o la tableta, haz un boceto para el diseño. Asegúrese de que no sea mus esquemático ya que debería parecerse más o menos al estilo final que necesitas.

En este caso, el esquema está basado en mi sketch

Paso 2 - Limpiando el esquema

Primero, haz zoom hasta más o menos 6x o 8x de aumento, así podrás ver cada pixel claramente. Luego, ¡a limpiar el esquema! En particular, debes borrar esos pixeles perdidos (tu esquema solo debe tener un pixel de grosor en su contorno), después elimina cualquier escalón y jaggie, y añade los detalles que hayas pasado por alto en el Paso 1.

Incluso los diseños grandes no suelen superar los 200x200 px. La frase "hacer más con menos" nunca suena más cierta que al pixelar una imagen. Pronto te darás cuenta de que un pixel puede marcar la diferencia.

Manten tu esbozo con simpleza. Los detalles aparecerán más adelante, pero por ahora, concentremonos en definir las "grandes piezas", como las partes de los músculos, por ejemplo. Puede parecer poco, pero la paciencia es la madre de la ciencia.

Parte 5: El color

Teniendo ya el esquema, tenemos una gran gama de colores para usar. El cubo de pintura (tecla G) y otras herramientas de relleno harán que sea aún más fácil. Escoger los colores puede ser un poco más difícil, y la teoría del color es un tema que está fuera del alcance del tutorial. Sin embargo, aquí hay algunos conceptos básicos que serán de utilidad.

HSB Color Model

HSB significa (H)ue, (S)aturation, y (B)rightness. Es uno de una serie de modelos de color (es decir, representaciones numéricas de color). Otros ejemplos son RGB (red-green-blue de la teoría del color luz) y CMYK (cian-magenta-yellow-black de la teoría del color pigmento), de los que quizás has oido hablar. La mayoría de los programas gráficos usan HSB para elegir colores, así que vamos a analizarlo:

Hue - Viene a ser el "color". Ya sabes, eso del "rojo", "magenta", "cián", etc

Saturation - ¿Como es de intenso nuestro color? 100% de saturación le da el color más brillante y, a medida que disminuye la saturación, el color se vuelve más gris.

Brightness - Luminosidad de un color que va de la ausencia de luz (negro) a la total invasión de ella (blanco). 0% de brillo es color negro.

Eligiendo el color

La elección del color es por tu cuenta, pero debes tener unas cuantas cosas en mente:

1. Los colores menos saturados e iluminados tienden a ser más "terrenales" o "realistas" y por ende menos cartoon.

2. Fijate en el circulo de colores, cuanto más alejado está un color de otro, más separados parecen. Pero también hay colores, como el rojo y el naranja, que juntos también entonan bien.

3. Cuantos más colores uses, más distraido parecerá tu diseño. Para hacer que un diseño se vea bien, usa solo 2 o 3 colores principales. (Piensa que con solo un poco de rojo y marrón ¡apareció el Super Mario Bros de hoy!)

Aplicando colores

Aplicar colores es fácil. Con Photoshop, solo selecciona el área que vayas a pintar con la varita mágica (tecla "W") o con el laso para seleccionar (tecla L) y rellena una vez seleccionado el color pulsando la tecla G. Para cambiar del color primario al secundario seleccionados en tu barra de herramientas, pulsa la tecla X.

Parte 6

El shading (o sombreado) es un paso crucial en nuestra épica búsqueda para ser semi-dioses del pixelado. Aquí es donde el diseño obtiene más puntos, o se convierte en un engendro horrible. Sin embargo, sigue estos consejos y seguro que no tendrás problemas

Paso 1: Elegir la fuente de luz

En primer lugar, tenemos que elegir una fuente de luz. Si el diseño es parte de un escenario amplio, puede haber todo tipo de fuentes de luz (como lámparas combustibles, fuego, focos, ojos malignos ansiosos de sangre, etc) que brillan sobre él. Estos se pueden mezclar de manera muy compleja en el diseño. Sin embargo, en la mayoría de los casos, elegir una fuente de luz alejada (como el sol) es mejor. Especialmente para juegos, quizás quieras usar un diseño con una iluminació general para que pueda ser usado en cualquier lugar.

Suelo elegir una fuente de luz distante que esté en algún lugar encima del diseño y ligeramente delante de él, y así todo lo que está por encima o por delante estará bien iluminado y el resto sería sombra. Esta iluminación parece la más natural para un diseño.

Paso 2: Sombreado

Una vez elegida una fuente de luz, comenzamos a sombrear las áreas que estén más alejadas de la luz con un color más oscuros. Nuestro modelo de iluminación "arriba y al frente" nos indican que bajo la cabeza, bajos los brazos y piernass, etc., debe haber sombras.

Recuerda que jugar con las luces y las sombras hace que los objetos no sean planos. Haz una bola de papel, deshazla y estira el papel, y dime, ¿como es que la hoja ha dejado de ser plana? Porque puede ver pequeñas sombras alrededor de las arrugas. Usa el sombreado para marcar los pliegues de la ropa, musclos, pelo, piel, arrugas.

Paso 3: Sombras suaves

Una segunda capa, menos oscura que la primera, se usa para las sombras suaves. Estas zonas son las que están indirectamente iluminadas, lo que se conoce como "claridad". También se puede usar para pasar de oscuro a luminoso, sobretodo para zonas curvas o esféricas.

Paso 4: Luz fuerte

Los sitios donde la luz recae directamente pueden tener iluminaciones sobre ellos. Debes usar las luces fuertes con moderación, mucha más que las sombras, ya que distraen mucho a la vista.

Ponlas siempre después de las sombras, y te ahorrarás más de un dolor de cabeza. Sin las sombras, siempre tendemos a hacer las luces demasiado extensas

Lo que NO debes hacer

En el shading es donde más principiantes fallan.

Aquí unas normas para seguir siempre que sombrees.

1. NO uses gradients (degradados): El último error que deberías cometer. Los gradients se ven horribles, y casi nunca están a juego con la iluminación que hemos dado.

2. NO hagas "pillow shading": Se conoce con este nombre a cuando una de las sombras del contorno entra. Se le llama así porque se ve "almohadillado" e indefinido.
3. NO uses muchos matices: Es muy fácil pensar que "más colores es igual a más realismo". En la realidad, sin embargo, vemos las cosas como grandes manchas con más o menos luces y sombras, que nuestro cerebro interpreta. Usa un máximo de dos tipos de sombra (oscuro y muy oscuro) y dos tipos de luces (iluminado y muy iluminado) como colores importantes.
4. NO uses colores muy similares: No hay razón para usar colores demasiados parecidos, como azul claro y azul un poquito más claro, a menos que quieras hacer un diseño de un estilo muy borroso.
Extra. NO uses negro: O al menos, no el negro puro de #00000. Como su nombre indica, este paso es extra, y puede ser saltado. Siempre usa un tono algo menos oscuro, ya que en agunos programas y juegos el negro es el color transparente, y puede dar problemas pero si tienes por seguro que no dará problemas, adelante

TUTORIAL de PIXEL ART por DEREK YU. 1 de 3

2010-02-10T22:37:00.000-08:00

Para seguir con la inmersión al campo del pixel, les dejo este tutorial que encontré siguiendo las rutas de wikipedia, tutorial que a su vez fue encontrado por otro cibernauta del blog de Derek Yu. Por suerte para mi, este chico tuvo la paciencia de traducirlo al gallego, asi q' mi unica tarea fue contextualizar las frases.

saludos y seguimos en contacto...

les dejo el link del blog en donde lo encontré:

http://animally-pensando.blogspot.com

TUTORIAL de DEREK YU

Parte 1 de 3: Herramientas

Una de las cosas buenas del PixelArt es que no necesitas demasiadas herramientas de dibujo, incluso con el programa de dibujo de serie de tu ordenador bastaría. Para este tutorial usaré Photoshop, que es un bicho muy caro, pero sirve para todas las áreas y es perfeto para pixelar

Usando Photoshop, la principal arma será el lápiz (tecla B) ya que nos permite pintar píxeles de uno en uno y sin anti-alias.

Otras dos herramientas importantes serán el marco rectagular (tecla M) y la varita mágica (tecla W) para seleccionar, mover o copiar y pegar.

Recuerda que pulsando las teclas Shift (añade) o Alt (elimina) mientras haces una selección puedes añadir o quitar elementos de tu selección actual. Esto viene bien cuando quieres seleccionar áreas que no son exactamente cuadradas.

También, con el gotero (tecla I o ALT) seleccionaremos los colores. Conservar los colores en un PixelArt es muy importante por muchas razones, así que deberás tomar los mismo colores y reusarlos armando una paleta cromática simple.

Además, con la tecla X podrás cambiar los recuadros de color de la barra de herramientas yendo del primario al secundario.

Recordar los shortcut es muy importante, ya que pueden ahorrarnos mucho tiempo y esfuerzo.

Parte 2: Líneas

Los píxeles son básicamente pequeños bloques de colores. Lo primero que debes aprender es como usar esos bloques correctamente para lograr el tipo de línea que desees. Veremos 2 tipos de líneas: rectas y curvas.

Líneas rectas

Se lo que piensas, "esto es muy fácil, no necesito siquiera leerlo". Pero con píxeles hasta las líneas rectas dan problemas. Lo que tenemos que evitar son los "jaggies", pequeños cortes en la línea que la hacen extraña. Los jaggies aparecen cuando un trozo o parte de la línea es más grande que el resto.

Líneas curvas

Para curvar, asegúrate de que la declinación o la inclinación sea constante todo el tiempo. En el siguiente ejemplo, la curva perfecta va bajando el número de píxeles 6>3>2>1, mientras que la curva con el jaggy tiene 3>1>

Hacer buenas líneas en píxeles es crucial para hacer pixel art. Más tarde, aprenderemos a usar anti-aliasing para hacer líneas aún más suaves.

Parte 3

Lo primero que debes tener, ¡es una buena idea! Intenta visualizar lo que quieres pixelar, ya sea en tu cabeza o en un papel.

Trabajar un poco en el pre-planteamiento te puede ayudar a concentrarte en tu pixelado actual.

Piensa en esto

1. ¿Para qué será usado el diseño? ¿Es para una web o un juego? ¿Tendrá animación después o será estático? Si el diseño será animado, deberás querer hacerlo pequeño y sin demasiados detalles para que sea mas fácil animarlo. Por el contrario, puedes hacerlo muy detallado si el diseño será estático ya que no tendrás que animar todos esos detalles. Tienes que pensar para que servirá tu diseño, y así todo irá mejor.

2. ¿Qué condiciones tengo que tomar en cuenta? Ya hablamos respecto a la importancia de la conservación de colores. Una de las razones es que, especialmente si estás trabajando en un juego, tu paleta de colores debe ser limitada. También debes considerar las dimensiones de tu diseño y si encajará en el terreno dentro del cual será montado.

¡Adelante!

Para este tutorial, no pongo limitaciones, pero quería asegurarse de que el diseño sea bastante grande para que podamos ver claramente lo que sucede paso a paso. Para ello, he decidido utilizar a Lucha Lawyer, el abogado-luchador-rompeespaldas como mi modelo! Podría estar en un juego de lucha, o algo así, con movimientos como "Habeas Corpse Blaster" xDD

Mas sobre el arte pixel:

http://festivaldelpixel.blogspot.com

.::Luis Camnitzer. Sobre el objeto del arte

2010-02-09T14:15:00.000-08:00

Ayer, tuve la suerte de asistir a una de las más disfrutables conferencias que he presenciado. Luis Camnitzer fue el culpable de esto.

La Cátedra Orozco que ofrece al público gratuitamente conferencias respecto al estudio del fenómeno del arte dentro de los acogedores brazos del Instituto Cultural Cabañas, trajo el martes pasado una platica extraordinaria a cargo de Luis Camnitzer.

Entre ironías, historias comunes y reflexiones personales, abordó temas básicos como la producción artística desde el enfoque del productor con todos los filtros, tabús y vicios que lo circundan de manera tan puntual y certeramente despiadada que mas de uno nos sentimos con la lampara directa hacia la cara en una suerte de auto-interrogatorio. Tenía al público tan concentrado en su discurso que el frío que estaba haciendo esa noche paso casi desapercibido.
La suerte incierta de las diferentes maneras de consumir el objeto de arte, la urgencia de la auto-critica y de la producción congruente, del no caer entre el estado de confort de la obra vendida y del sopor de la moda que incita a autorrepetirze al infinito hasta acabar con el ultimo halo de ingenio en nuestras consciencias.

Por desgracia, no llevé cámara para compartirlo, pero les dejo un ensayo que San Google tuvo a bien dejármelo a la mano que va en torno a los mismos cuestionamientos que nos brindó esa noche.

Si tienen tiempo de vagar en la red, busquen su trayectoria y producción artística y compartan conmigo la emoción que viví esa noche.

La Corrupción en el Arte / El Arte de la Corrupción
De Luis Camnitzer

Un día muy preciso, hace ya cuarenta años, comprendí cabalmente la obviedad de que la misma obra de arte que cumplía con mis propósitos como artista era, simultáneamente, un objeto comercial. Era todavía un estudiante de arte y en esa época se nos enseñaba hacer "arte" (académico y desconectado de la vida real) y no negocios, y el mercado me era tanto una utopía como la revolución social.

A pesar de la distancia de las ventas (no totalmente salvada hasta el día de hoy), desde el momento que me golpeó esa realización tuve pánico con respecto a la negociación de mi trabajo. No lo fue porque no me interesara el dinero, o porque considerara que mi obra era demasiado "pura" para el comercio. Era más debido a una vaga intuición y desconfianza de mis propias debilidades - algo alrededor del miedo a una contaminación de mi facultad de juzgar las cosas. En el caso en que llegara a vender una obra, nunca lograría certidumbres sobre las motivaciones que generarían la creación de la obra siguiente. Nunca sabría realmente si esa nueva obra, en caso de seguir por el camino de la obra vendida, sería hecha para repetir la venta o porque la investigación merecía ser continuada.

Desgraciadamente el problema no se limitaba a mis tribulaciones personales. La dicotomía comercio/arte en realidad también contaminaba las certidumbres sobre el objeto mismo. Planteaba las dudas sobre el respeto invertido frente a un objeto, sobre cual era la cuota de experiencia auténtica en relación a la intimidación producida por un precio y, en última instancia, sobre las causas de los fetichismos que gobiernan los gustos, las colecciones y los museos.

Como estudiante, la percepción de esas contaminaciones se fueron extendiendo a situaciones más complejas. Por ejemplo, el hecho de que las señales indicativas de una identidad tienen un vida extremadamente corta luego de la cual mueren en el estereotipo. Esta fue una percepción que en una micro escala se me reveló al ver la obra repetitiva de los últimos años de Chagall. A una escala más grande y ya como adulto, el ejemplo claro fue dado por cierto arte latinoamericano que culminó en los años ochenta. En el caso de Chagall la estereotipación era consecuencia de una pérdida de sus facultades creativas. En el segundo era consecuencia de un proceso de generalización impuesto desde afuera. En ambas fueron producto del mercado.

Durante la década de los ochenta, el arte latinoamericano tuvo un vuelco hacia las artesanías locales. La cerámica, los textiles, el rusticismo (el uso del barro, paja, piedras y materiales desechables) tendieron a sustitutir el sello identificatorio que hasta entonces había sido dado al arte por el realismo mágico. El cambio fue producido por una confluencia de varios factores. Por un lado estaban las ideas (más que las obras mismas) del "arte povera" o, si no más, las fértiles evocaciones generadas por el nombre. Por otro, fue la conciencia de la relación centro/periferia en el campo artístico. Después de las batallas perdidas en el campo político durante las décadas anteriores quedó el intento de seguir la lucha en forma artística. Finalmente, por esa época se renovó un interés en la búsqueda de las raíces culturales - nacionales o continentales.

Lo que empezó como una búsqueda colectiva de identidad fue rápidamente absorbido por el mercado internacional como una identidad realizada. Lo que era no más que un proceso de tentatividad, fue congelado en una forma. Fue una maniobra inteligente, porque lo que había surgido como una respuesta a una necesidad local pudo, así, ser insertado en el mercado como una categoría separada. Constituía una categoría no competitiva y, a pesar de ello, comercializable. Y aún mejor, coincidía con una estética avalada por la exposición de "Primitivismo" del Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1984.

El proceso de estereotipación fue ganando en complejidad durante los últimos años. Con una nueva red de galerías locales económicamente fuertes y una proliferación de ferias de arte en Latinoamérica, el mercado internacional dejó de actuar unicamente desde lejos, y se superpuso a la periferia. La retroalimentación de la transformación de identidad en estereotipo se hizo aún más inmediata que en el sistema más polarizado del pasado.

La transición de la identidad al estereotipo desgraciadamente no es reversible. En el mismo momento en que el artista preocupado por un arte de identidad, comunitario o regionalista es comercializado, su arte pasa a ser estereotipo y pierde su fuerza comunicativa colectiva inicial. El recurso artístico sobre el que se basa su obra pierde efectividad y tiene que ser descartado para dejar lugar a nuevos recursos, o tiene que ser reapropiado en tal forma que el estereotipo vuelva a ser refrescado y útil. Esta reapropiación es difícil y generalmente va mediada por períodos de tiempo relativamente largos (el estereotipo tiene que llegar a ser identificable como tal y sus elementos des-internalizados).

Uno de los vehículos posibles más inmediatos y efectivos para esta reapropiación es el humor y la ironía, los cuales, al exponer el proceso, abren las puertas para la reutilización de ciertos recursos. El artista colombiano Nadín Ospina trató de resolver el problema creando versiones precolombinas de la familia Simpson. Las esculturas son ejecutadas por falsificadores profesionales de piezas arqueológicas en forma suficientemente precisa como para confundir los esquemas culturales de arqueólogos en siglos venideros. Una exposición reciente de tres artistas latinoamericanos: José Bedia, Carlos Capelán y Saint Clair Cemin, ofreció un ejemplo en el cual en lugar de obra se utilizaron las relaciones públicas. Los artistas, concientes de las dinámicas descritas, escribieron un comunicado de prensa sardónico declarando que:
"Después de largas discusiones y autoanálisis hemos llegado a la siguiente conclusión: somos 'artesanos' y por lo tanto nuestra actividad será concebida como la 'artesanía' propia de nuestra profesión. [...] En este caso nuestra condición de latinoamericanos nos permite introducir una nueva brisa creativa en la producción artesanal occidental, la cual carece de la 'irradiación espiritual' y de lo 'intangible', resultando hoy aún más codificada que el objeto más 'perfecto'. [...] A Uds., este paquete artesanal típico de nuestra condición caníbal, pobre y periférica, pero completamente personal."

Lo interesante del caso fue que la muestra, que fuera organizada privadamente por un galerista para coincidir con la 46a. Bienal de Venecia, fue promocionada bajo el título de "Artesanía de la Periferia". También fue notable el hecho que el título fue creado por el galerista y no por los artistas. Así, lo que había comenzado como ironía volvió al estereotipo.

No es casual que todo esto - tanto por el lado del galerista como por el de los artistas - se haya efectuado en el contexto de una bienal internacional. Hasta mediados de la década de los ochenta estas bienales no vacilaban en presumir en que el arte es uno, universal y con valores homogéneos. La ecuación de arte-comercio y arte-hegemonización no eran todavía el blanco de desafíos serios. En 1984 se inauguró la Primera Bienal de la Habana, comenzando así una nueva serie de muestras institucionalizadas diseñadas, mal que bien, para crear una caja de resonancia específica para el arte de la periferia.

A distancia de una década, la Bienal de la Habana fue la más ambiciosa, experimental (con respecto a su propia estructura), y más claramente preocupada por los temas de la marginalidad. La parte de exposición de obra fue puesta en un contexto de discusiones y de actividades culturales con la idea general de lograr un foro para el intercambio de ideas para los artistas del Tercer Mundo (aún cuando no se lograra precisar quien pertenece y quien no a este mundo). En sus cinco versiones, la más reciente en 1994 [1], la Bienal se fue afirmando en el ámbito internacional como el lugar de presentación de aquel arte que generalmente es invisible en el mercado hegemónico.

El proyecto de la Bienal no fue puramente filantrópico e idealista. La imagen de Cuba se promocionó efectivamente y el arte cubano, hasta entonces prácticamente desconocido en el resto del mundo, comenzó a circular rápidamente. El turismo artístico creció en progresión geométrica de bienal en bienal, incluído el proveniente de los Estados Unidos, desafiando las múltiples prohibiciones del embargo. Con el progresivo éxito de la Bienal, las galerías internacionales comenzaron a enviar sus exploradores. Era claro que la Bienal era el lugar para identificar nuevos talentos a bajo precio, un abastecedor de material rejuvenecedor para el mercado. En una de las mesas redondas de la V Bienal, fue precisamente ese comentario el que el galerista norteamericano Alex Rosenberg usó para elogiar a la Bienal. Fue también un consejo que el coleccionista alemán Peter Ludwig había puesto en la práctica un par de años antes, cuando adquiriera prácticamente toda la exposición "Kuba O.K." que se hiciera en Düsseldorf. [2]

Las ecuaciones arte-comercio y arte-hegemonización, por lo tanto, comenzaron a desplazar los ideales iniciales de la Bienal. Es así que el éxito de la Bienal de la Habana también simboliza su muerte y obliga a una seria revisión estructural. [ 3 ] Los dilemas de la Bienal sintetizados en un ¿es posible utilizar a Peter Ludwig sin ser utilizado por él? provocados por su ofrecimiento de dinero para enmarcar obras en la Bienal, se repiten para Cuba entera. [4] Abel Prieto, presidente de la Unión de Escritores y Artistas Cubanos, frente a la intimación de que Cuba estaba haciendo concesiones, no solamente al capitalismo sino también al neo-liberalismo, recientemente respondió:
"Estamos transitando en sentido contrario de los esquemas clásicos del neo-liberalismo: El estado cubano se asocia al capital extranjero, pero con el fin de generar y redistribuir los beneficios con un principio socialista. Apelamos a ciertos instrumentos capitalistas para poder sobrevivir, pero no despojamos al Estado de su capacidad de actuar sobre los procesos económicos." [5]

Tenemos así, con todo lo anterior, tres casos representando el mismo problema, uno individual, uno colectivo y uno institucional (y nacional). En otras épocas, como la mía personal citada de hace cuarenta años, todo lo que se percibía como corrupción se enfrentaba en una forma maniqueista. Esta percepción extremada de las cosas generaba las interminables trifulcas estudiantiles sobre el fin y los medios durante mi juventud. Hoy el asunto se ha convertido en algo más borroso, complejo y frágil: se trata del problema - traduciendo la cita de Prieto a su esencia - de "como utilizar la corrupción sin corromperse".

El dilema no tiene solución y, como consecuencia, me armé una estructura moral que terminé denominando "cinismo ético". La esencia de esta posición se basa en la idea de que prostituirse a sabiendas es mejor que prostituirse inconscientemente. En el primer caso es estrategia, en el segundo es corrupción. Como una estrategia me sirve para identificar la línea que se está por cruzar y por lo tanto me permite, hasta cierto punto, la reversibilidad del acto. Limitándose a ser una corrupción producto de la inconsciencia, el acto se ve forzado a desembocar en una retórica justificativa, sin la posibilidad de que uno pueda asumir la responsabilidad de la decisión.

La ventaja del uso de la estrategia es que permite un análisis de las condiciones. Entre esas condiciones, permite la utilización de aquellas que pueden llevar a la implementación de una ideología, aún cuando ésta pueda parecer contradicha por los pasos tomados para instrumentarla. Pero esta frase que acabo de escribir es realmente terrible, porque lo que termina afirmando es que el fin justifica los medios. Y aquel día en que comprendí que el objeto de arte también es un objeto comercial, la iluminación había venido de la creencia profunda en lo opuesto: de que el fin jamás puede justificar los medios.

Los cuarenta años transcurridos no borraron mi ideología de entonces, pero sí me aclararon que hay una diferencia seria entre mis creencias utópicas y puras y la realidad en que vivimos. Con el "cinismo ético" logré, al menos, fabricarme la ilusión de que puedo seguir manteniendo mis ideas puras o que, por lo menos, las puedo identificar. Esa pureza (o, desde algunos puntos de vista, ingenuidad) incluye varias creencias que todavía tratan de guiar mi pensamiento. Una es que el trabajo artístico individual es incidental y que la cultura es un proceso colectivo. Otra es que la comercialización es lo que subraya el mito individualista. Y aún más allá, que es la comercialización la cual manipula y distorsiona las funciones de las artes nacionales de ser originalmente expresiones comunales a convertirse en expresiones chovinistas. Y, finalmente, que es la comercialización quien, en el campo artístico, convierte la polaridad centro/periferia en una relación de poder.

Estas constataciones me fechan irremediablemente en un pasado lejano, pero particularmente la última parece, además, estúpidamente banal. Decir que la relación centro/periferia es una de poder es una declaración tautológica, ya que precisamente es la relación de poder la que generó la nomenclatura. Pero lo que es una obviedad para los intercambios bélicos, políticos y económicos (y también para los intercambios artísticos en la medida en que sirven a los anteriores), lo es menos para el campo artístico discutido aisladamente.

Es menos obvio porque, en primer lugar, las discusiones sobre arte se concentran, todavía, en la "calidad" del objeto en lugar de la escala de valores que determina esa calidad. En segundo lugar, porque presumen que si la calidad es legible, transferible, y válida en el nivel hegemónico, lo es también en la periferia y, en menor grado pero también, al revés (en este caso la ilegibilidad muchas veces es atribuída a una falta de calidad). En tercer lugar, las discusiones no diferencian entre función cultural y función comercial. Cuando se habla de crisis en el arte, se habla simultáneamente de crisis formal y comercial en el mercado hegemónico. [6] Todo esto es para proyectar una imagen del arte como una actividad incontaminada, de carácter universal, eterno y absoluto. Es así que los elementos identificatorios culturales regionales o comunales pasan a ser atributos formales en lugar de comunicativos. Pasan a ser una parte del envoltorio artístico en lugar de permanecer como un elemento intrínsico de la comunicación. De acuerdo a la escala de valores que determina la calidad, el envoltorio artístico tiene que presumir de ciertas aspiraciones de eternidad. Así, como la comunicación local está sujeta a parámetros temporales variables y pasajeros, el "regionalismo" no serviría a menos que contribuya elementos formales al arte hegemónico. Se establece así un semi-respeto hegemónico por el arte periférico.

Si los efectos de esta relación de poder consistieran solamente en la aceptación de cierto arte periférico en el mercado hegemónico y en la comercialización de sus productos comerciabilizables, el tema no merecería mayor discusión. El otro arte, el dirigido culturalmente a su público local, podría continuar con su función sin tropiezos. Pero las disyuntivas referentes a la corrupción discutidas a nivel individual también operan a nivel colectivo. Los elementos identificatorios, una vez digeridos por el mercado como un elemento formal, retornan a la periferia como un reflejo enviado por un espejo autoritativo y autoritario. A nivel colectivo, la adopción de ciertos recursos "reflejados" en ese espejo impide determinar si se está confirmando un estereotipo con un potencial comercial o si se está consolidando una identidad.

Las opciones viables parecen cada vez más limitadas y las cooptaciones y estereotipaciones cada vez más rápidas, fuertes y, desgraciadamente, inteligentes. El neo-conservatismo había ya logrado el desprestigio de muchas posiciones progresistas simplemente estereotipándolas con el término de "políticamente correcto", término que, paradójicamente, fuera creada burlonamente por la propia izquierda norteamericana y que resultara su primera víctima. Un término de aparición más reciente, esta vez aplicado más directamente a las artes, es el de "arte de víctima". Fue popularizado por una crítica de danza norteamericana, Arlene Croce, en referencia a la pieza de ballet de Bill T. Jones "Still/Here" (creada alrededor del tema del SIDA) para justificar su no asistencia al espectáculo. [7] En su artículo Croce trató de separar el voyerismo de la crítica, la queja de la expresión, la terapia de la creación. A primera vista, esta tarea parece encomiable y necesaria. Croce sintió que Jones la forzaría demagógicamente a tener compasión por las víctimas del SIDA - quienes son entrevistadas y actúan en la pieza - y con eso invalidarle la posibilidad de un juicio crítico.

Croce, implícitamente, trató de mantener su propia escala de valores (y su definición del arte) intocada por el contenido. Habla de "arte de víctima" como "una versión politizada de la extorsión a la que apelan creadores, incluso grandes creadores como Chaplin en sus momentos de mayor autocompasión", y termina su ensayo diciendo que "solamente el narcisismo de los noventa pudo poner el yo en el lugar del espíritu". A los seis meses de existencia, el término "arte de víctima" ha puesto toda expresión artística política o representante de alguna mínoría (o mayoría) moderadamente oprimida, en un contexto de autocompasión y de explotación sentimental. Logró una redirección política de la percepción del arte de una efectividad como pocas obras lo han logrado en toda la historia del arte. Que a Croce se le escape la posible necesidad de una redefinición del arte que pueda acomodar a ambos, ética y estética, parece un hecho incidental y secundario dentro de su ideología. Una vez más la necesidad de cambio y el cambio mismo son denominados "crisis".

Croce, dentro de sus limitaciones, trata de mantener sus escalas de valores claras y separadas. En ese sentido representa, dentro de lo que podemos llamar una ideología hegemonista, una posición tradicionalista y conservadora. La posición de Croce se enfrenta, dentro de ese mismo hegemonismo, a una tendencia mucho más confusionista. Es la posición paradigmáticamente representada por las campañas publicitarias de Benetton. Las escalas de valores teóricamente incompatibles, arte-causas ideológicas en el caso de Croce, arte-comercio en partes de esta nota, todas confluyen completamente hacia un total integrado en la obra publicitaria de Benetton, la cual parecería tratar de validar el "arte de víctima". La integración es tan exitosa que todavía no he encontrado ningún texto con una estructura teórica coherente capaz de desarticular lo que algunos llaman "benettonismo" sin destruir las propias posiciones desde las cuales pueda partir esa teoría. Por suerte Benetton todavía no ha tenido la idea de invitar a artistas "políticos" para la producción de avisos para su campaña. El día que lo haga, estos artistas tendrán dificultades para rechazar la oferta en forma que no sea usando una negación fanática, casi religiosa y no argumentativa. La tentación del poder otorgado por una difusión extrema, sumada a la ausencia de una publicidad comercial explícita, daría - aparentemente - una especie de coartada moral para aceptar la oportunidad. Pero sería caer en una situación en la cual se puede creer que se está utilizando la corrupción sin corromperse, y en donde se cae - por lo menos desde el punto de vista aquí expresado - en la prostitución inconsciente.

Solo puedo decir que soy conciente de que el "cinismo ético" al que me refería antes es una respuesta de tintes esquizofrénicos frente a toda esta situación. Con esta respuesta trato de mantener separadas nítidamente dos escalas de valores contradictorias. Es mi único recurso (hasta este momento) en un medio en donde siento que la esquizofrenia con respecto a los valores ha logrado un estado de implosión. En ese estado las superposiciones de escalas de valores disímiles ocultan todas aquellas discrepancias que antes nos permitían, con tanta elegancia, los maniqueísmos y los purismos esencialistas. Esta esquizofrenia implosionada, que más superficialmente y con cierto simplismo se registra simplemente como hipocresía, ha logrado el milagro admirable de elevar la esquizofrenia abierta y tradicional a un nivel ético superior.

Tengo que terminar, entonces, confesando una nostalgia romántica por la época en que era posible creer sólidamente en que el fin jamás justifica los medios. No es que realmente fuera cierto en aquel entonces, pero al menos uno tenía la ventaja de poder pensar que era cierto. Quizás, en el día de hoy, el único camino que nos queda transitable hacia una utopía sea el de mantener viva la facultad de especular, no de que sea cierto, sino sobre la posibilidad de que sea cierto. Quizás la lucha de hoy, muy modesta, se tenga que limitar a tratar de que no nos quiten también eso.

Pero hay otra cosa que es evidente. Si un simple uso de términos tan esquemáticos como "políticamente correcto" y "arte de víctima" alcanza para descalabrar y desprestigiar ideas que percibimos como complejas y válidas, quiere decir que hay algo en nuestra plataforma que necesita un ajuste serio. Y esta tarea de ajuste probablemente es una en la cual la nostalgia no tiene cabida.

Este texto iba a terminar aquí, pero no pude quedarme en eso. Se lo dí a leer a varios amigos para ver que pensaban. Uno en particular, con la mitad de mis años y autodefinido como izquierdista, hizo tres comentarios. El primero, medio fulminante consistió en un : "Muy bueno, sin agujeros, pero muy setentoide." El segundo, medio desconcertante, fue: "A mi no me parece mal la campaña de Benetton." El tercero, quizás el más fermental, fue: "No tengo una solución clara, creo que la ética es fundamental, y pienso que el asunto consiste en continuamente meterse y salirse, meterse y salirse."

No logré sonsacar elaboraciones teóricas sobre todo esto y mi primera labor consistió en reponerme del descubrimiento de que el quiebre generacional me había tocado en serio. Siempre hablo de ese quiebre, pero es una forma de coquetería, una afectación que tapa la creencia de que sigo viviendo dentro de la generación joven. Pero una vez repuesto, la tercera observación se hizo más y más interesante. Lo que mi amigo planteaba era una estrategia de infiltraciones múltiples, suficientemente cortas como para no terminar absorbido o coaccionado, pero aceptando la existencia de la realidad en sus propios términos en lugar de negarla en términos idealistas. El secreto del tipo, que nunca alcanzó a decírmelo - quizás porque él mismo no se dió cuenta - era que aceptar la realidad en sus propios términos no es sinónimo de aprobar a esa realidad. Las infiltraciones sucesivas - y estoy hablando teóricamente, porque no tengo idea de como se instrumenta esto en la práctica - tienen la ventaja de no tener tiempo para contaminar al infiltrado.

La diferencia generacional, entonces, está en una cierta inocencia de las nuevas generaciones y su presumible capacidad de mantenerla. Cuando yo hablo de "prostituirse a sabiendas" como una forma de protección en contra de la corrupción, estoy en realidad planteando una estrategia que también es maniqueísta. Equipara el "meterse" con el "prostituirse" y acepta la pérdida de la inocencia como algo inevitable, como un evento de dimensiones casi bíblicas. La estrategia de la infiltración múltiple y corta parece no tocar la inocencia.

Es interesante, volviendo al ejemplo de Cuba, que a principios de esta década, cuando la mayoría de los artistas consagrados se habían ido del país y la economía también, mi predicción fue el desastre artístico. El eslabón pedagógico entre los formados y los por formarse se había casi roto, los subsidios para el arte desaparecieron, la competencia entre los artistas por establecerse en un mercado limitado se hizo aguda. Y sin embargo surgió una nueva generación fértil, estéticamente y éticamente crìtica. Que además vende y que a pesar de vender mantiene su humor.

Y al fin de cuentas todo parece confuso y confusionista, falsamente aclarado por esquemas insatisfactorios, porque no enfocamos el nudo del problema. En realidad todos estamos luchando por el poder de darle significado a las cosas. Como dice el antropólogo sueco Ulf Hannerz, está el mercado, está el gobierno y está la "forma de vida", o sea la cultura producida por la gente al margen del mercado y del gobierno. [8] Aunque a veces coinciden en sus valores, cada uno de estos entes tiene sus propias dinámicas para significar las cosas. Es un hecho que tendemos a pasar por alto, en gran parte porque el artista, el significador por excelencia, se pliega a distintas causas en distintos momentos, o mejor dicho, distintos artistas se comprometen con entes distintos. Entonces un gobierno y un mercado pueden ser nacionalistas mientras la forma de vida y los artistas son regionalistas, o los artistas y el mercado son globalistas mientras que el gobierno y la forma de vida son localistas, o el gobierno sirve a otro gobierno mientras que los artistas y la forma de vida resisten, etc. Las permutaciones son muchas, pero al final lo que queda es una acumulación de significados que determinan la cultura de la que formamos parte, a la que, mal que bien, contribuyeron todos.

El sociológo francés Pierre Bourdieu analizó algunas de estas cosas en su libro "El Campo de la Producción Cultural". Describe el arte autónomo como aquel que históricamente surgió en oposición a, por un lado, el arte representante de los valores burgueses o dominantes en el siglo XIX y, a aquel otro que, socialmente revolucionario, fue creado para combatir esos valores. Pero también aquí tenemos una tríada impura, donde las alineaciones cambian constantemente de acuerdo a la situación social y a que poderes dominan la sociedad.

La verdad es que el purismo de mi juventud, rígido y dogmático, conducía irremediablemente a un elitismo que mi generación, en términos políticos, negaba fervorosamente. Separaba al artista, aún cuando politizado, de la realidad, de esa realidad que incluye gobiernos, mercados y gente, para darle el monopolio del proceso de significar las cosas.

El reconocimiento de esos errores del pasado no implica un cambio en mi posición ética. Quizás resulte, en algún futuro, en un cambio de estrategias, aunque en mi caso lo dudo. Y todas estas consideraciones tampoco me generan una mayor simpatía por los avisos de Benetton, aunque no puedo evitar una cierta admiración. Así que lo único que logro con todo esto es volverme a sentir al principio de las cosas y renovar la certidumbre de que todo es muy, pero muy complicado.

Notas

1. Cuando el autor escribió el texto en 1995, la última Bienal de La Habana había sido la quinta (nota del redactor)

2. "Kuba O.K. - aktuelle Kunst aus Kuba", (arte actual de Cuba) Städtische Kunsthalle Düsseldorf, en colaboración con el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, Cuba. 1 de abril hasta el 13 de mayo de 1990. La exposición organizada por el director de la Kunsthalle, Jürgen Harten, y por el artista y curador cubano Antonio Eligio Fernández (Tonel), generó mucha atención en Alemania respecto del arte jóven cubano. Por medio de ella Peter Ludwig llegó a conocer este arte, del cual adquirió numerosas obras. (nota del redactor)

3. Los organizadores de la Bienal son concientes del problema y están tratando de reorganizar el formato para la bienal que viene.

4. El uso de Ludwig aquí quiso ser una metáfora, pero adquirió otra dimensión al leer un reportaje (La Maga, Buenos Aires, mayo 24, 1995, pp. 36-37) que finaliza con Ludwig declarando con respecto a la Fundación Ludwig que creara en La Habana después de la V Bienal: "Pero primero lo importante es ayudar a artistas cubanos. Después el siguiente paso será también enseñar arte internacional en La Habana y en Cuba."

5. Nelson Cesin, "Foro de San Pablo: Los primeros aportes", Brecha, Montevideo, Mayo 25, 1995, p. 8

6. En un reciente simposio en que se discutiera la "crisis" del arte de hoy, uno de los artistas participantes, Carlos Capelán, trató de reorientar la discusión planteando que él se sentía muy bien y que estaba creando con toda tranquilidad y satisfacción.

7. Arlene Croce, "Discussing the Undiscussable", The New Yorker, diciembre 26/enero 2, 1995, pp. 53-60. El término fue creado por el crítico de Time Magazine, Robert Hughes.

8. Ulf Hannerz, "Scenarios for Peripheral Cultures" en: Culture, Globalization and the World System, pp. 107-128.

.::EXPOSICION: Mundo Feliz por Montse Ramos

2010-01-31T21:04:00.000-08:00

MUNDO FELIZ

por Montse Ramos

Chapuzon
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2009

Cables
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2009

Como dejar de respirar sin morir en el intento
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2009

Mundo feliz
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2009

Nos podemos quedar otro día?
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2009

Paraiso
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2009

Regando flores
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2009

Solo me queda el recuerdo
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2009

Van
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2009

Tomando el sol
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2009

Me gusta ver como bailas
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2009

Loque hacen los ángeles en su tiempo libre
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2009

Gotas
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2009

Aun quedan nubes en el cielo
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2009

Animalito marino y sus sueños de libertad
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2009

Aguas tranquilas

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2009

.::NOCHE FUSION. musica y gastronomia

2010-01-26T21:03:00.000-08:00

Para festejar el cierre del primer mes del nuevo año, Sai fusión prepara para nosotros una velada tranquila entre las mezclas de progressive house de Dj Fharyde, quien nos trae la exclusiva de una de sus mas recientes producciones y Dj Zurdin Valdez, ambos de la casa productora Knob Ignition, acompañados por la excelente voz e increíble afinación de Janette Camargo quien también presentara para nosotros algunas canciones de su mas reciente EP.

Así que ya saben, si quieren pasar una noche precopera en muy buena compañía auditiva, mientras se deleitan con los sabores orientales del Sai, no se perderán para nada esta noche fusión.

Montenegro 2020

por el telcel de Av. Chapultepec.

Saludos Yolliztli Ruiz

OPA. Talleres de arte contemporaneo

2010-01-15T14:29:00.000-08:00

CONVOCATORIA: Concurso de Cartel para el Centenario y el Bicentenario

2009-12-22T13:36:00.003-08:00

CONCURSO: Bicentenario de la Independencia, Centenario de la Revolucion

2009-12-22T07:48:00.001-08:00

Bar Reforma presenta: DJ FHARYDE

2009-12-10T16:26:00.000-08:00

ARTE JOVEN. Aguascalientes 2010

2009-12-07T07:56:00.000-08:00

Mayores informes:
http://www.aguascalientes.gob.mx/cultura/noticias/convocatorias%2009/CONVOARTEJOVEN.pdf

MUNDO FELIZ. exposicion fotografica de Montse Ramos

2009-12-02T13:32:00.000-08:00

EXPOSICION INDIVIDUAL "MUNDO FELIZ"
Fotografias de Montserrat Ramos
FORO DE ARTE Y CULTURA. Av. prolongacion Alcalde 1451
Inauguracion: 4 de diciembre 21:00 hrs.
DJ invitado Fharyde interviniendo el espacio auditivo

Expuesta del 4 de Diciembre de 2009 al 21 de Enero de 2010

La Secretaria de Cultura de Jalisco, a traves de la Direccion General de Actividades Culturales y la Direccion de Artes Visuales INVITAN.

FORO DE ARTE Y CULTURA
Av. Prolongación Alcalde 1451, Guadalajara Jalisco, Tel. 3819 2397.

OJO DE MOSCA. Gestión y difusión Artística

PLEASE BE NICE: exposicion individual. FORO DE ARTE Y CULTURA

2009-11-25T13:37:00.000-08:00

EXPOSISION INDIVIDUAL "PLEASE BE NICE"
Artista Plástico: Yolliztli Ruiz
Cede: FORO DE ARTE Y CULTURA. Av prolongacion Alcalde 1451
Inauguracion: 4 de diciembre 21:00 hrs

Expuesta del 4 de Diciembre de 2009 al 21 de Enero de 2010

La Secretaria de Cultura de Jalisco, a traves de la Direccion General de Actividades Culturales y la Direccion de Artes Visuales INVITAN.

PLEASE BE NICE
El lenguaje, los signos, la comunicacion, las ideas comunes, lo que todos entendemos como cierto. Mecanismos simbolicos inmersos en nuestras dinamicas diarias determinados por convenciones generacionales que de tanto en tanto regresan. Imagenes delatoras de la pulsion interna que como un beat controla el comportamiento colectivo de uno de los mercados mas vulnerables y economicamente rentables: La juventud.

“Please be nice” nos muestra un bagaje por archivos de iconografias cotidianas reinterpretadas entre juegos ludicos, ironicos y siniestros.

Encontrando en el sinsentido, en los estados de confort somaticos y los estados de evasion el pretexto creativo para armar el rompecabezas que funja como polaroid instantanea de una realidad artificiosa cada vez mas desvinculada de nosotros mismos. Una construccion simbolica autodestructiva, un “brillante ritual frente al vacio”.

YOLLIZTLI RUIZ
Guadalajara, Jal. México 1985

Los rumbos de su producción tocan espacios de diferentes medios. A participado en el diseño y creación escenográfica para obras de teatro como “Son amores” de Jesús González Dávila, dirección a cargo de Juan Carlos Pasillas ganador del premio otorgado por CONACULTA para dirección escénica; “Kids in Broadway” a cargo de Gerson Miranda, producida por el Instituto Thomas Jefferson; La presentación escénica de la revista "Itinerario" organo editorial de CEDART; entre otras. Sus ilustraciones se han presentado tanto en revistas como “Itinerario”, “Experimentarte”, "Mujer Plus", la revista "KY"; en la portada del libro "ITS y VIH/SIDA en adolescentes y adultos jóvenes. Ángulos de la problemática en México", el libro "Quino y Dalí" en colaboracion con Georgina Rivera B., el libro "Valores Universales" de Maria Luisa Burillo; ilustraciones para la decoración del “Cuarto Congreso de atención integral VIH/SIDA” dentro de la agencia de diseño y mercadotecnia Vgraf; ilustraciones para el cómic y creación de personajes para la campaña de nutrición "El Tour de la Vida"de Sanofi Aventis en colaboración con Mario Ruiz; ilustradora de los juegos pedagógicos TOTTE; estuvo a cargo de la dirección artística de la marca ANTAVIA arte y ambiente; actualmente trabaja para el proyecto de Cortometrajes animados "BATALLON 52" en donde colabora en el diseño de personajes y la animacion en 2D.

Con tres exposiciones individuales, hemos visto su obra en espacios como “Galería Chucho Reyes”, Centro Cultural Casa Vallarta, en el Foro de Arte y Cultura, la Galería “CEDART José Clemente Orozco”, en el espacio de exposición del Hostel Guadalajara, en la Galería González Martinez, en el Caf-eco, en el espacio de exposición de la Biblioteca Publica “los mangos” en Pto. Vallarta, Jalisco, en la escuela de Artes Plásticas del ICC, entre otros.

Egresada de la Licenciatura en Artes Visuales de la UdeG y del Bachillerato en Artes y Humanidades CEDART José Clemente Orozco del CONACULTA. INBA.
Es miembro fundador Ojo de Mosca. Gestión y Difusión Artística organización dentro del cual funge como directora.

Ha estudiado en la Escuela de Artes Plásticas del Instituto Cultural Cabañas en talleres como Dibujo y pintura al natural y Acuarela por el Mtro. Felipe Vera quien falleció este año, Diplomado en Pintura, Taller de Creación de libros por el mtro Hartmut Lewton, Artes Integradas, Taller de Museografía impartido por la Arq. Elvia Estella Pérez Samaniego, museógrafa del MUNAL; en la Escuela de Música del ICC estudió Canto y Artes Integrales. En los talleres de expresion popular dentro del Centro Cultural el Bodegon dependiente del IMDEC, A.C. cursó Teatro Guignol, Actuación, Dibujo y Pintura; Cursó también el taller de museografía dentro de los talleres del Encuentro Nacional de Estudiantes de Artes Plásticas y el taller propedeútico de teatro en la Escuela de Teatro de Xalisco.

OJO DE MOSCA. Gestion y Difusion Artistica INVITA.
desde este lado del monitor... hacia algun lugar perdido de la memoria

.::La Invasión ZOMBIE comienza. DF emerge y recluta

2009-09-08T08:26:00.000-07:00

La invasión ZOMBIE comienza nuevamente. Las calles se teñiran de rojo y olores putridos de la carne... es tarde para correr.

México DF 2009
Sábado 17 de Octubre

CONVOCATORIA: ARTE 40. $200 000 en premio

2009-08-27T10:36:00.000-07:00

VISITA SU WEB: http://www.los40.com.mx/arte40.asp

CONVOCATORIA: Jose Atanasio Monroy 2009

2009-08-21T08:34:00.000-07:00

La Universidad de Guadalajara, a través del Centro Universitario de la Costa Sur, el Centro Universitario de los Lagos
y la Secretaría de Vinculación y Difusión Cultural,
la Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco
y el H. Ayuntamiento Constitucional de Autlán de Navarro, Jal.,
convocan a participar en el
Premio Nacional de Pintura
“José Atanasio Monroy”

BASES DE PARTICIPACIÓN

PRIMERA: Podrán participar los artistas plásticos de nacionalidad mexicana, así como extranjeros que tengan por lo menos cinco años de radicar en el país, previa acreditación de residencia, que presenten una obra inédita.

SEGUNDA: Con el objetivo de dar un mayor impulso a los jóvenes creadores, el premio se divide sólo en dos categorías, Noveles creadores y en Consolidación. Participarán en la categoría de pintores en Consolidación quienes acrediten contar con 5 exposiciones individuales, y en la de Noveles creadores quienes cumplan con lo establecido en la cláusula primera.

TERCERA: El periodo de inscripción se inicia con la publicación de la presente convocatoria y concluye el 14 de septiembre de 2009.

CUARTA: Cada autor podrá participar con una, o máximo tres obras inéditas realizadas en el periodo comprendido entre septiembre de 2008 y septiembre de 2009, que no haya(n) sido expuesta(s), publicadas en catálogos y/o participado en certámenes anteriores. Por cada pintura, el artista deberá enviar tres fotografías por obra, impresas en color a un tamaño de 10 x 8 pulgadas. A cada una de las fotografías se deberá anexar una ficha técnica que contenga nombre del autor, edad, domicilio, título de la obra, fecha de realización, técnica utilizada, dimensiones reales de la obra (alto por ancho en cm.), teléfono y/o correo electrónico del autor. La técnica y la temática serán libres, el formato de la obra no deberá ser inferior a 40 cm. y no exceder de 1.50 metros por ninguno de sus lados.

*Los pintores que deseen participar en la categoría de “en Consolidación” deberán enviar por separado un resumen de currículum, incluyendo nombre completo, lugar y fecha de nacimiento, estudios realizados, generales y artísticos, así como copias de constancias de exposiciones y actividades profesionales desarrolladas a la fecha.

Se exhorta a todos los participantes a cuidar la calidad de las fotografías, de manera que permitan la mejor apreciación de sus pinturas. No se recibirán fotografías en formato digital.
Nota: Toda obra que no respete las especificaciones antes mencionadas, sea presentada sólo con una fotografía o no contenga la ficha técnica, será descalificada automáticamente.

QUINTA: Del total de las obras concursantes, el jurado realizará una preselección de 35 obras que formarán parte de una exposición colectiva, y pasarán a una segunda etapa, en la que se elegirán los tres primeros lugares de ambas categorías.

SEXTA: El comité organizador informará a los artistas cuya obra haya sido seleccionada para formar parte de la exposición colectiva y participar en la segunda etapa. El comité organizador conservará el currículum vitae de todos los artistas, así como una fotografía de todas las pinturas participantes, con fines de archivo.

SÉPTIMA: El periodo de recepción de las pinturas preseleccionadas, con opción a premio, será del 28 de septiembre al 2 de octubre de 2009.

La obra deberá ser enviada o entregada por el autor a:
Premio Nacional de Pintura “José Atanasio Monroy”,
Avenida Independencia Nacional 151,
Autlán de Navarro, Jal. C. P. 48900
con una ficha técnica adherida al reverso de la pintura, que incluya: nombre del autor, título, técnica, medidas (alto por ancho en cm.) domicilio, teléfono y/o correo electrónico del autor.

En caso de que el autor envíe su obra por paquetería, se tomará en cuenta la fecha del matasellos.

Los gastos de embalaje y traslado, tanto de envío como de recolección corren por cuenta de cada participante. No se recibirán pinturas extremadamente frágiles o sin bastidor o marco.

El comité organizador se compromete a dar el manejo adecuado a las obras, y sólo se hará responsable de la conservación y seguridad de las piezas a partir del momento en que éstas hayan sido recibidas en buen estado en su sede.

OCTAVA: El jurado emitirá su dictamen públicamente el 20 de octubre de 2009, y éste se dará a conocer a los ganadores, quienes serán notificados vía telefónica o por correo electrónico.

NOVENA: Las piezas que resulten seleccionadas integrarán una exposición que será exhibida en la Casa Universitaria “Antonio Alatorre Chávez”, de la ciudad de Autlán de Navarro, Jal., del 26 de octubre al 26 de noviembre de 2009. Posteriormente se expondrán en la ciudad de Guadalajara. En caso de que la exposición sea solicitada para exhibirse en otra sede, las obras no podrán retirarse hasta que termine su itinerancia.

DÉCIMA: El Centro Universitario de la Costa Sur editará un catálogo que incluirá las pinturas seleccionadas y las que resulten ganadoras del Premio Nacional de Pintura “José Atanasio Monroy” en esta edición.

DÉCIMO PRIMERA: Las obras ganadoras son de adquisición, y pasarán a formar parte de la “Pinacoteca José Atanasio Monroy” del Centro Universitario de la Costa Sur.

DÉCIMO SEGUNDA: La ceremonia de premiación se realizará el viernes 30 de octubre de 2009, a las 19:00 horas, en el Centro Cultural “José Atanasio Monroy”, del Centro Universitario de la Costa Sur, con sede en Autlán de Navarro, Jalisco.

DÉCIMO TERCERA: Una vez terminada la exhibición de las obras pictóricas, los participantes tendrán un plazo de treinta días para recoger sus piezas, luego de ser notificados vía telefónica o correo electrónico. Al término del período antes mencionado, el comité organizador decidirá el destino de las pinturas que no hayan sido reclamadas.

DÉCIMO CUARTA: El traslado y regreso de las pinturas será responsabilidad de cada participante, por lo tanto deberán ser recogidas en el domicilio sede del Premio Nacional de Pintura “José Atanasio Monroy”.

DÉCIMO QUINTA: El jurado estará integrado por especialistas en el área de artes plásticas y/o teoría del arte y su fallo será inapelable.

DÉCIMO SEXTA: Los casos no previstos en la presente convocatoria serán resueltos por la Coordinación de Extensión del Centro Universitario de la Costa Sur y el jurado calificador.

PREMIOS

Se otorgarán tres premios por clasificación:

Artistas en Consolidación:
1er lugar: $50,000.00 (CINCUENTA MIL PESOS 00/100 M. N.)
2º lugar: $ 30,000.00 (TREINTA MIL PESOS 00/100 M. N.)
3er lugar: $15,000.00 (QUINCE MIL PESOS 00/100 M. N.)

Noveles creadores:
1er lugar: $25,000.00 (VEINTICINCO MIL PESOS 00/100 M. N.)
2º lugar: $15,000.00 (QUINCE MIL PESOS 00/100 M. N.)
3er lugar: $7,500.00 (SIETE MIL QUINIENTOS PESOS 00/100 M. N.)

Para entregar fotografías y la documentación solicitada, o para mayores informes, dirigirse a cualquiera de las siguientes direcciones:

Centro Cultural Casa Vallarta,
Av. Vallarta No.1668
Guadalajara, Jal., C.P. 44140
Tel. 01 (33) 3615 5002 Ext. 2810

Centro Universitario de la Costa Sur,
Coordinación de Extensión
Av. Independencia Nacional No. 151
Autlán de Navarro, Jal., C. P. 48900
Tel. 01 (317) 382-5010 Ext. 7004 y 7107

Centro Universitario de los Lagos
Av. Enrique Díaz de León s/n Col. Paseos de la Montaña,
Lagos de Moreno, Jal., C.P. 47460
Tel. 01 (474) 742-4314 y 742-3678

Centro Universitario de la Costa,
Av. Universidad de Guadalajara No. 203
Coordinación de Extensión
Puerto Vallarta, Jal., Delegación Ixtapa. C.P. 48280
Tel. 01 (322) 226-2290

Centro Universitario del Sur, Casa del Arte
Av. Colón No. 143
Cuidad Guzmán, Jal., Municipio de Zapotlán el Grande C.P. 49000
Tel. 01 (341) 412-4350

Centro Universitario de la Ciénega
Carretera Ocotlán-Tototlán km. 3.3
Ocotlán, Jal. C.P. 47840
Tel. 01 (392) 925-0026

Nota: Los resultados serán publicados a partir del 22 de octubre de 2009 en la página electrónica www.cucsur.udg.mx

CONVOCATORIA: La lluvia. En el marco del Festival Cultural de San Juan.

2009-08-21T08:32:00.000-07:00

.::RESULTADOS. Programa de estimulos a Jovenes Creadores. FONCA 2009-2010

2009-08-14T13:14:00.000-07:00

Para mayores informes:
http://fonca.conaculta.gob.mx/ligas/beneficiarios/jc09.php

.::CONVOCATORIA. Salon de Octubre 2009

2009-08-04T08:12:00.000-07:00

La Secretaria de Cultura,

a través de la Dirección General de Actividades Culturales

y el XIX Festival Cultural Fiestas de Octubre

C O N V O C A N

Salón de Octubre 2009

Bases:

1.- Podrán participar todos los productores de artes plásticas nacidos en Jalisco o residentes en el estado, por lo menos durante los últimos cinco años, y que cuenten con una participación como mínimo en una exposición individual o colectiva.

2.- Cada autor podrá participar únicamente con una obra. La obra deberá entregarse identificada con el nombre del autor, titulo de la obra, técnica utilizada y medidas (alto por ancho en centímetro), domicilio, correo electrónico, teléfono y currículo no mayor a una cuartilla.

3.- El Salón de Octubre 2009 quedará abierto a obra bidimensional en las siguientes técnicas:

Óleo
Acrílico
Acuarela
Grafito
Mixta

La temática es libre.

4.- No podrán participar obras que hayan sido presentadas en concursos anteriores. Exclusivamente participarán trabajos realizados en 2009. El formato no deberá ser mayor a 180 centímetros (1.8 metros) por lado. Para los formatos irregulares se tomarán las mismas medidas como punto de referencia. No se recibirán obras extremadamente frágiles o inestables. Las obras deberán estar debidamente enmarcadas.

5.- El período para recibir obras será del jueves 17 de septiembre al miércoles 14 de octubre de 2009, en el centro de recepción y horario a continuación indicados:

DIRECCIÓN DE ARTES VISUALES

EX CONVENTO DEL CARMEN

AVENIDA JUÁREZ No. 638 CENTRO HISTÓRICO

DE LUNES A VIERNES DE 10:00 A 16:00 HORAS.

TELÉFONOS 3030 1385 Y 3030 1368

6.- Los organizadores se comprometen a dar un manejo adecuado a las obras recibidas.

7.- El Jurado calificador estará integrado por personas de reconocidas solvencia artística e intelectual, cuya responsabilidad consistirá en:

Seleccionar las obras participantes.
Designar al ganador.
Decidir sobre los casos no previstos en esta convocatoria
Quedará su criterio otorgar menciones honoríficas.

8.- Las obras seleccionadas por el Jurado integrará la exposición Salón de Octubre 2009, que será presentada en el área museográfica del Ex Convento del Carmen del viernes 23 de octubre al domingo 22 de noviembre de 2009.

9.- La ceremonia de premiación e inauguración se llevará a cabo el viernes 23 de octubre a las 21:00 horas en el Ex convento del Carmen.

10.- El Patronato de las Fiestas de Octubre entregará UN PREMIO ÚNICO consistente en $40,000.00 Cuarenta mil pesos M.N.

11.- El premio no implica adquisición de la obra ganadora por parte del Patronato Fiestas de Octubre.

12.- Las obras no seleccionadas deberán recogerse en el lugar y horario donde fueron entregadas, del miércoles 21 al viernes 30 de octubre.

13.- Las obras seleccionadas para el Salón de Octubre 2009, deberán recogerse en el lugar de exhibición del lunes 23 de noviembre al viernes 04 de diciembre, donde se les entregarán sus reconocimientos de selección.

14.- Los organizadores NO SE HARÁN RESPONSABLES de las obras no recogidas, después de los plazos estipulados en las cláusulas anteriores.

15.- No podrá concursar en el Salón de Octubre 2009 persona alguna que participe en el Comité Organizador, personal que trabaje en el Patronato de las Fiestas de Octubre o que labore en la Secretaría de Cultura.

Guadalajara Jalisco, Agosto de 2009

.::JUAN BASTARDO. Presentacion de su proyecto visual La Máquina. ExConvento del Carmen

2009-07-29T11:45:00.000-07:00

La Secretaría de Cultura, a través de la Dirección General de Actividades Culturales y la Dirección de Artes Visuales.
Le invita a la inauguración/cóctel de las exposiciones: La máquina proyecto de Juan Bastardo, Memoria primitiva pinturas de Antonio Martínez Guzmán, Los relatos sin tiempo pinturas de José Parra y Martha pinturas de Balo Pulido.
Viernes 31 de julio de 2009, 21:00 horas. Ex Convento del Carmen, Av. Juárez 638, Zona Centro,
Tel. 3030 1385.

.::CRIMENES EJEMPLARES. Nota del periodico La Jornada. 24VII09

2009-07-24T10:00:00.001-07:00

Participan en la muestra 32 artistas plásticos y fotógrafos

Inauguran hoy en El Colectivo la exposición Crímenes ejemplares

RICARDO SOLIS

Hoy viernes, en punto de las 20 horas, se inaugurará la nueva exposición en el espacio de galería de El Colectivo (López Cotilla 1939), bajo el título de Crímenes ejemplares, en la que participan 32 artistas plásticos y fotógrafos (muchos de ellos participantes como animadores dentro del proyecto Batallón 52), con trabajos de diseño, pintura e lustración, organizados a través de dos colectivos artísticos: Ojo de Mosca y CRNPIO.com.

El título procede de un libro del escritor de origen español Max Aub, que fue retomado gracias a las cualidades de los relatos que contiene, los cuales –en opinión de Yolliztli, una de las integrantes de este grupo de jóvenes artistas– son muy visuales, están plagados de ironía y resultan fáciles de ilustrar. Este conjunto de “breves y absurdas” historias comprenden una recopilación de casos procedente de países como Francia, España y México (sitios donde residió Aub).

La muestra está integrada por un trabajo por cada participante, entre acuarelas y grabados, además de fotografías, todos ellos evocando o haciendo interpretación de algún relato de los que contiene el libro citado (a elección libre, por supuesto, algunas de estas historias se repiten como referente).

Para muchos de los involucrados, gracias a su involucramiento en el proyecto Batallón 52, y la “efervescencia” que causó dentro de quienes ahora trabajan dentro de la animación, fue que se pudo organizar este proyecto de exhibición, aunque no dejan de reconocer que trabajar para Batallón 52 les ha permitido abordar más facetas respecto a su trabajo gracias al aprendizaje y el desarrollo de la creatividad que esta oportunidad ha significado.

Existe, asimismo (aunque no se ha concretado aún), la idea de elaborar una especie de libro, a manera de “cadáver exquisito”, en el que intervendrían todos los artistas participantes de esta muestra, creado a través de sus testimonios y colaboraciones. De esta forma, aunque el espacio de galería de El Colectivo ha planeado una duración de tres semanas para cada exposición, ésta se mantendrá por 32 días.

En este tenor, la inauguración de esta noche contará con la participación de tres Dj’s (Dj Jonas, Dj Fharyde y Dj Doctor Muerte) que tocarán durante el evento. En adición, a manera de intervención por parte de los 32 artistas, habrá una suerte de escenificación en la que participará la museógrafa de la muestra (Paula Luckie Bátis) y la diseñadora web de los colectivos organizadores (Magaly Ruiz).

Por otra parte, en lo referente al estado que guarda el proyecto Batallón 52, se aclaró que éste ha sobrepasado ya la etapa de preproducción, y continúa bajo el propósito de generar continuidad dentro de la industria de la animación en la ciudad, de modo que se pueda –a futuro– generar utilidades, fuentes de empleo remunerado y productos originales en este rubro.

De acuerdo con los lineamientos de Batallón 52, los cortos que se produzcan habrán de exhibirse el año entrante, a razón de uno cada semana, en salas comerciales en las que habrá una copia para su proyección previa a cada función, durante todo 2010.

.::CRIMENES EJEMPLARES. Nota del periodico El Informador. 24VII09

2009-07-24T09:56:00.000-07:00

El Colectivo se convierte en la escena de Crímenes ejemplares

La muestra Crímenes ejemplares reúne el trabajo de una treintena de diseñadores, pintores e ilustradores.A. CAMACHO

Colectiva de diseño, pintura e instalación

Un grupo de 32 artistas presenta su obra basada en el libro de Max Aub

GUADALAJARA, JALISCO.- "Lo maté porque me dolía la cabeza. Y él venga hablar, sin parar, sin descanso, de cosas que me tenían completamente sin cuidado. La verdad, aunque me hubiesen importado. Antes miré el reloj seis veces, descaradamente: no hizo caso.

Creo que es un atenuante muy de tenerse en cuenta", escribió el escritor hispano-mexicano Max Aub Mohrenwitz (1903-1972) en su libro Crímenes ejemplares, que reúne una serie de cuentos sobre peculiares asesinatos. Inspirados en este libro, un grupo de 32 jóvenes -diseñadores y animadores en su mayoría- realizó una serie de ilustraciones a partir de los crímenes descritos por Max Aub. El resultado, la colectiva Crímenes ejemplares que se exhibe a partir de esta noche en El Colectivo.

"Nos inspiramos en este libro por la ironía que maneja, por los asesinatos que son muy visuales, fáciles de llevar a la ilustración", explica Yolliztli Ruiz, una de las participantes en este proyecto producido por los colectivos Ojo de Mosca y CRNPIO.

La muestra reúne 32 ilustraciones, una por cada participante, en las que han utilizando diversos programas de diseño y fotografía, y en algunos casos se han escaneado grabados y acuarelas, para reinterpretar los diversos crímenes de Max Aub.
En la serie se puede observar el reflejo del rostro de un hombre en un charco de su propia sangre, otro que explica que asesinó porque tenía una pistola en la mano y algunos más con alcobas, salones de escuela y calles como escenario.

La génesis de esta exposición fue a partir del proyecto "Batallón 52", sobre la realización de 52 cortometrajes para conmemorar el Centenario de la Revolución y el Bicentenario de la Independencia de México, donde la mayoría de los expositores de Crímenes ejemplares participan.

"Vamos bien, seguimos trabajando, ya vamos en la etapa de la producción. Nunca se había hecho una producción de animación en la ciudad de manera tan masiva. La idea es generar una industria, darle continuidad al proyecto", detalla Carlos Plata, otro de los expositores y artistas de "Batallón 52".

La inauguración de Crímenes ejemplares es esta noche en El Colectivo con la participación de los DJ’s Jonás, Fharyde y Doctor Muerte. Los organizadores prometen una apertura de la exposición con muchas sorpresas, ya que los participantes asistirán disfrazados y se resolverán casos criminales. La fiesta dará inicio a las 21:00 horas en López Cotilla 1939. La exposición permanecerá durante un mes.

2009-07-24T09:48:00.000-07:00

El espacio inaugura Crímenes Ejemplares

El Colectivo 1939 se pone muy criminal

2009-07-24•Cultura

Cerca de una treintena de artistas participa en la exposición. Foto: Iván García

Quizá usted alguna vez conoció algún sujeto que le despertó tal aversión, que simplemente deseó que el individuo mágicamente dejara de existir. Tal vez, en sueños perversos, ha visto su propia imagen justificando el acto y diciendo: “Lo maté porque me dolía la cabeza”. O tal vez: “Íbamos como sardinas y aquel hombre era un cochino. Olía mal. Algo asqueroso. Me quise cambiar de sitio. Quizá lo empujé demasiado fuerte. Tampoco me van a echar la culpa de que las ruedas del camión le pasaran por encima”. O mejor aún: “Lo maté porque estaba seguro de que nadie me veía”. Las anteriores son frases que forman parte del libro Crímenes Ejemplares, de Max Aub y publicado en México por el año de 1957. Y son, también, el punto de partida para la exposición homónima que esta noche se inaugura en las instalaciones de El Colectivo 1939.

Las historias que presenta Aub forman parte de una serie de confesiones compiladas entre asesinos de Francia, España y México. Las mismas fungieron como el punto de partida para que un grupo de 32 diseñadores e ilustradores echaran a volar el lado perverso de su imaginación y lo plasmaran en igual número de fotografías e imágenes. “El punto de partida fueron los escritos de Max Aub, y ya cada quien, de manera libre, expresó lo que quería. Aunque de repente parece que algunos expusieron sus patologías”, explica Yolliztli Ruiz.

Durante la inauguración de la muestra se realizará una especie de performance en el que la museógrafa Paula Luckie Batis hará de detective y Magaly Ruiz representará a la asesina de los asesinos, mientras que en el piso se extenderán los cuerpos de los 30 artistas restantes. Su papel será el de representar a los muertos.

La inauguración de Crímenes Ejemplares tendrá lugar hoy en punto de las 20:30 horas en El Colectivo 1939 (López Cotilla 1939) y contará con la participación musical de los dj’s Jonás, Fharyde y Doctor Muerte.

Guadalajara. Ignacio Dávalos

.::CRIMENES EJEMPLARES. Viernes 24 de Julio. 20:30 hrs

2009-07-21T09:23:00.000-07:00

Ojo de Mosca, gestión y difusión artística y CRNPIO.com presentan "Crimenes Ejemplares" Una exposición gráfica basada en la obra literaria de Max Aub.

La cita es este viernes 24 de Julio a las 20:30hrs en El Colectivo 1936 ubicado en Lopez Cotilla No. 1936 (Casi esquina con Luis Perez Verdía, a la altura del Centro Magno)

CRIMENES EJEMPLARES

MATAR. Matar por no saber que hacer, por aburrimiento, por diferencias ideológicas, por sueño, por impaciencia. Matar como acto reflejo, con la facilidad con que sale un estornudo, con la lógica absurda que nos caracteriza como especie creando excusas artificiosas, -porqués- aferrados a verdades que no hacen otra cosa que evidenciar la escena INTOLERANTE de la que todos formamos parte. La negación y la censura de la individualidad de ese OTRO que amenaza nuestra existencia. Que perturba la conservación de las verdades que afirmamos como ciertas.

... Y es que a fin de cuentas, todos hemos llevado a cabo un asesinato, aunque sea en los confines silenciosos de la intimidad de nuestras conciencias...

"Crímenes Ejemplares" fue creada en el exilio, huyendo de una Francia muy al sur en donde los campos de concentración nazi volvían inhóspito el panorama. Construida voz a voz, asesino en asesino en los oídos de Max Aub desde su natal Francia, pasando por España, hasta llegar a México en donde la recopilación de estos asesinatos célebres concluye en la publicación del libro en 1957.

Bajo una escritura ágil y altamente irónica Max Aub deja en esta obra que ha sido adaptada en numerosas ocasiones para teatro, radio y cine, una obra que muestra "...la desmesurada capacidad de violencia y agresividad gratuita que oferta el género humano (...) la sinrazón global que posibilita que una persona busque o precipite el final físico de otra regalándose al menos a la artimaña de un por qué..." (Juan Antonio González Fuentes).

Ahora nos toca hacer nuestro homenaje a este gran autor cuya obra más que perder vigencia, toma nuevos significados y fuerza a través de los acontecimientos actuales.

Así que sin más, retomando el vínculo que este autor tenía con el auge cinematográfico mexicano de los años 40s, apoyados por el impulso que el proyecto BATALLÓN 52 está generando para crear una verdadera industria del género de la Animación dentro del Cine, creyendo en jóvenes talentos y respondiendo con acciones a la crisis económica y de identidad, les dejamos esta muestra proveniente del talento del departamento de Arte de BATALLÓN 52 y diseñadores, artistas e ilustradores invitados.

Ojo de Mosca, Gestión y Difusión Artística en colaboración con CRNPIO.com le agradecen su asistencia.

Museografia a cargo de Paula Luckie Batiz

Gracias a El Colectivo 1939 por abrirnos sus puertas.

Lista de Participantes

Alejandra Colunga + Melisa Ballesteros Parada + Héctor Manuel Guerrero Herrera + Uriel Leonardo Prado Soria + Ana Jimenez González + Rubén Padilla + Carlos Plata Cuellar + Luis Patricio Salmón Bada + Diana Martin + Luis Sat Muñoz + Raul Lukin + Ricardo Niño Mora Sr Niño + Ernesto MacMillan + Samuel Mercado Muñoz + Alice Hédouin + Makeba Gil + Elizabet Perfecto Ochoa + Alma Angélica Canchola Delgado + Jonás Acosta + Maria de los Angeles Vargas Cárdenas + Christian Alain Vázquez Carrasco + Montserrat Ramos + Yolliztli Ruiz + Fharyde Azpeitia + Victor Sprint Nova + Mario Ruiz + Felipe Barroso + Gustavo Muñoz Mendoza + Victor M Lopez Viera + Ipsaim Ruiz + Pablo Polanco + Jesús Guzmán Don Diablo

Djs del evento:

Dj Jonas

Dj Elpha Ridez

Dj Doctor Muerte

Organiza:

Ojo de Mosca. Gestión y Difusión Artística

CRNPIO.com Desarrollo web

ALEJANDRA COLUNGA

colungalejandra@yahoo.es

Trazando sus primeros bocetos cuando apenas y tenía un año seis meses de edad, esta ilustradora muestra talento desde temprana edad en el mundo del dibujo, sin embargo sus dudas existenciales le llevaron a rodar por los caminos del diseño gráfico, pasando por distintos capítulos que la volcaron en el mundo de la pintura, de la cual vivió muchos meses haciendo retratos de novias u_u!.

Algunos rumoran que le regalo su alma al diablo, otros dicen que se la robo ella a él dada la maldad que desarrollo al estar tanto tiempo escondida entre las sombras del olvido; como sea, el caso es que ahora su suerte ha cambiado y se encuentra trabajando en el batallón 52, lugar en el que se siente como pez en el agua, encontrando así, su camino a la felicidad, (cursi) y aunque aun es nueva, se ve que le hecha ganas.

CRIMEN:

"--Un poquito más.

No podía decir que no. Y no puedo sufrir el arroz.

--Si no repite otra vez, creeré que no le gusta.

Yo no tenía ninguna confianza en aquella casa. Y quería conseguir un favor. Ya casi lo tenía en la mano. Pero aquel arroz...

--Un poco más.

--Un poquitín más.

Estaba empachado. Sentí que iba a vomitar. Entonces no tuve más remedio que hacerlo. La pobre señora se quedó con los ojos abiertos, para siempre."

MELISA BALLESTEROS PARADA

melissa_dibujo@hotmail.com

Estudió la licenciatura de diseño grafico en el Instituto de Arte Bribiesca, pero actualmente me he estado tomando un leve receso de los estudios para trabajar en el proyecto de animación del Batallón 52, proyecto que me deja muy satisfecha personalmente ya que desde muy pequeña siempre desee ser animadora, pero creí que aquí en México eso no era muy realista. Siempre me ha gustado todo lo relacionado con el cómic, la animación, las ilustraciones y la pintura, y he realizado muchos de estos solo por gusto personal.

Anterior mente trabajaba para la página de internet de BPositive y me dedicaba a realizar prácticamente todo lo que tuviera que ver con animación y diseño del sitio.

CRIMEN

“LO MATE en sueños y luego no pude hacer nada hasta que lo despache de verdad. Sin remedio.”

HÉCTOR MANUEL GUERRERO HERRERA

lostsoulriver@hotmail.com

Más que mencionar eventos y proyectos en los que he participado en cuanto a ilustración prefiero decirle gracias a todos los que forjaron mi vida, a los que me han apoyado, a los que no se tocaron el corazón y despedazaron mi trabajo, a los que me enseñaron a observar, incluso a los que me deprimieron ya que cambiaron mi forma de ver las cosas... pero mas que a nadie a mi familia.

Con cariño.

Héctor

CRIMEN:

"SOY MAESTRO. Hace diez años que soy maestro de la Escuela Primaria de Tenancingo, Zac. Han pasado muchos niños por los pupitres de mi escuela. Creo que soy un buen maestro. Lo creía hasta que salió aquel Panchito Contreras. No me hacía ningún caso, ni aprendía absolutamente nada: porque no quería. Ninguno de os castigos surtía efecto. Ni los morales, ni los corporales. Me miraba, insolente. Le rogué, le pegué.

No hubo modo. Los demás niños empezaron a burlarse de mí. Perdí toda autoridad, el sueño, el apetito, hasta que un día ya no lo pude aguantar, y, para que sirviera de precedente, lo colgué del árbol del patio."

URIEL LEONARDO PRADO SORIA

urielleonardo6@gmail.com

Creo firmemente en la posibilidad de combinar las artes visuales con la tecnología.

Estudié la Ingeniería en Sistemas Computacionales y la carrera de Tecnólogo Superior en Sistemas de Información y Comunicaciones. He desarrollado sistemas de telecomunicaciones, y he sido expositor de XNA como framework para la realización de videojuegos, y actualmente trabajo en el Batallón 52 realizando storyboards con la finalidad de ampliar mis horizontes.

ANA JIMÉNEZ GONZÁLEZ. 09/06/84

Nombre artístico: AnaJmz

ana_cobain78@hotmail.com

Intereses: Ilustración, Animación y Humor Negro

Decidí mi profesión a los 4 años, cuando le dije a mi maestra de kinder que de grande quería ser caricaturista.

Lic. en Diseño Integral del ITESO. He participado en el diseño de la imagen gráfica, personajes y animaciones para la Feria Internacional del Libro en Guadalajara en el área de FIL niños y en diversos proyectos de video, web, publicidad y eventos para varias empresas.

Pienso que los niños son los mejores clientes por estar libres de prejuicios y entretenerse fácilmente, por eso realizaré una serie de cuentos ilustrados para niños con animaciones.

Actualmente participo como diseñadora de personajes y escenarios en el proyecto de cortometrajes Batallón 52.

CRIMEN:

"SOY MAESTRO. Hace diez años que soy maestro de la Escuela Primaria de

Tenancingo, Zac. Han pasado muchos niños por los pupitres de mi

escuela. Creo que soy un buen maestro.

Lo creía hasta que salió aquel Panchito Contreras. No me hacía ningún

caso, ni aprendía absolutamente nada: porque no quería. Ninguno de los

castigos surtía efecto.

Ni los morales, ni los corporales. Me miraba, insolente. Le rogué, le

pegué. No hubo modo. Los demás niños empezaron a burlarse de mí.

Perdí toda autoridad, el sueño, el apetito, hasta que un día ya no lo

pude aguantar, y, para que sirviera de precedente, lo colgué del árbol

del patio."

RUBEN PADILLA

ruben@ombligofilms.com

Joven (no tan joven) talentoso (no tan talentoso) multidisciplinario (ejem, aquÍ si le atinó. Se pasa de multidisciplinario) que se ha desarrollado (WTF) en distintas áreas artísticas, principalmente en proyectos audiovisuales. La inquietud (o la necesidad) lo ha llevado a explorar campos diversos, aunque su principal formación es la actuación (drama-drama-drama). La principal (única, tal vez) razón para participar dentro de la exposición es no quedarse con ganas de hacer nada que crea que puede hacer (y que dicen por ahí que puede que compren esto, jojojo)

Actualmente trabaja como codirector para el proyecto de cortometrajes

Batallón 52.

CARLOS PLATA CUELLAR

cplatacuellar@hotmail.com

Nací en la Ciudad de México, pero la abandoné antes de que llegaran

los perredistas y llegue a Guadalajara cuando también lo hacían los

panistas. En ésta ciudad me hice diseñador gráfico, trabajé para un

periódico y una compañía transnacional. Desde hace 7 años trabajo por

mi cuenta en el desarrollo de branding y en la organización de eventos

masivos. Estudié cine en la UdeG y actualmente hago storyboard para

cortometrajes animados dentro del proyecto Batallón 52.

CRIMEN:

"Hablaba, y hablaba, y hablaba, y hablaba, y hablaba, y hablaba, y hablaba. Y venga hablar. Yo soy una mujer de mi casa. Pero aquella criada gorda no hacía más que hablar, y hablar, y hablar. Estuviera yo donde estuviera, venía y empezaba a hablar. Hablaba de todo y de cualquier cosa, lo mismo le daba. ¿Despedirla por eso? Hubiera tenido que pagarle sus tres meses. Además hubiese sido muy capaz de echarme mal de ojo. Hasta en el baño: que si esto, que si aquello, que si lo de más allá. Le metí la toalla en la boca para que se callara. No murió de eso, sino de no hablar: se le reventaron las palabras por dentro."

LUIS PATRICIO SALMÓN BADA

lp_sb2@hotmail.com

Entre preparatorias públicas y colegios Salesianos, emigra a

Guadalajara en el 2003 a estudiar Diseño en el ITESO; funda con

compañeros y amigos COPO Diseño, estudio creativo enfocado a la

comunicación visual con la constante de aportar buen diseño

(www.holacopo.com).

Audiciona casi por accidente para Batallón 52 y se reencuentra con su

única pasión confirmada… el dibujo.

Y así, por razones fuera de su entendimiento y esperando que más para

bien que para mal entrega orgulloso su primera pieza de exposición

para la serie ilustrada: “CRIMENES EJEMPLARES”

God Bless...

CRIMEN:

“SOY PELUQUERO. Es cosa que le sucede a cualquiera. Hasta me atrevo a

decir que soy buen peluquero. Cada uno tiene sus manías. A mí me

molestan los granos.

Sucedió así: me puse a afeitar tranquilamente, enjaboné con destreza,

afilé mi navaja en el asentador, la suavicé en la palma de mi mano.

¡Yo soy un buen barbero! ¡Nunca he desollado a nadie! Además aquel

hombre no tenía la barba muy cerrada. Pero tenía granos. Reconozco que

aquellos barritos no tenían nada de particular. Pero a mí me molestan,

me ponen nervioso, me revuelven la sangre. Me llevé el primero por

delante, sin mayor daño; el segundo sangró por la base. No sé qué me

sucedió entonces, pero creo que fue cosa natural, agrandé la herida y

luego, sin poderlo remediar, de un tajo, le cercené la cabeza.

DIANA MARTIN

pandeperro@gmail.com

Su incansable labor pictórica la ha llevado a participar en un gran

número de exposiciones colectivas tanto fuera del país en lugares como

La Habana, Cuba; Hamburgo, Alemania; Kuala Lumpur, Malasia, San José

California; y dentro del país en Monterrey, Aguascalientes, Colima y

Puerto Vallarta. Dentro de Guadalajara, su lugar de residencia ha

expuesto en el Museo Regional de Guadalajara, Centro de Arte Moderno,

Casa Iteso-Clavijero, World Trade Center, Espacio del arte de

Televisa, Casa Vallarta, Festival de las Artes Libres en

ExpoGuadalajara, y el Ex -Convento del Carmen con obra seleccionada

para el Salón de Octubre 2007.

Dentro de sus exposiciones individuales, que son 14, destacan: ” Anja

Epitwee y su paraguas de cuatro patas ” en la Marziart Internationale

Galerie en Hamburgo Alemania en septiembre de 2007,“ Mirna de Ciglia y

secreto vestido interminable ”, expuesta en Ruiz Rojo Galería en

agosto de 2007 y en enero de 2008 en la Casa de la Cultura de Ajijic,

“ Saskia Lumosi y sus tías de ojos naranja ” expuesta en Casa de

Ensueños Art Gallery en febrero de 2006 y “ Un ave canta en el cuarto

piso” expuesta en la Galería Chucho Reyes de la UdeG en junio de 2006.

A parte de su labor pictórica, destacan sus participaciones como

ilustradora para el periódico Cultural La Manzana, el Periódico

Público, la revista KY y la editorial Paraíso Perdido.

También ha incursionado en el periodismo cultural como reportera y

columnista para el diario La Jornada Jalisco en su suplemento especial

de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara en noviembre y

diciembre de 2007.

LUIS SAT MUÑOZ

luis_sat@hotmail.com

Su trabajo creativo se consuma en la ilustración digital, el diseño

gráfico y el retoque fotográfico digital. Su destreza técnica no solo

circunda el espacio virtual de los softwares como Photoshop, Painter,

Illustrator, Zbrush, Corel, si no que abarca hasta las técnicas

análogas de la ilustración tradicional y el modelado de figuras

Entre sus participaciones destacan ilustraciones a grupos de heavy

metal españoles como "Saurom" y "Lujuria" y su trabajo como ilustrador

para el proyecto de cortometrajes Batallón 52.

CRIMEN:

"LA HENDÍ de abajo a arriba, como si fuera una res, porque miraba

indiferente al techo mientras hacíamos en amor"

RAUL LUKIN. 1979 Guadalajara, Jal. México

lukin1979@hotmail.com

Raul Lukin nació en Guadalajara, Jalisco en 1979. Desde chico tuvo

talento para las artes visuales y eso lo llevo a estudiar la

Licenciatura en Diseño para la Comunicación Gráfica.

Fue propietario de la Galeria-Boutique "Metroid" donde exponía

esculturas en plastilina epóxica y cuadros al óleo, al acrílicoy otras

técnicas.

Su arte esta inspirado en las más retorcidas zonas de la complicada

mente humana.

Actualmente participa en el proyecto Batallon52 como ilustrador.

CRIMEN:

"Me insultó sin razón alguna. Así, porque se le subió la sangre a la cabeza. Estábamos jugando rommy, hizo una trampa, se lo advertí. Decidí no jugar más. Lo resintió como un bofetón. No nos volvimos a hablar. El era el culpable. Lo malo es que teníamos que vemos a diario en la oficina. Yo esperaba que me pidiese perdón. Pero ¡ca!, no era de ésos. Su presencia me molestaba cada vez más hasta que aquel día le vacié la pistola. Ni modo."

RICARDO NIÑO MORA 02/03/ 84

Nombre artístico Sr. Niño

skeiro@hotmail.com

A sus veinticinco años a trabajado y colaborado en distintos

proyectos tanto independientes como empresariales entre los cuales

destacan 4 cortos, ilustraciones para la revista KY dentro del

proyecto de tiras Zombies del Día del Zombie y múltiples trabajos de

diseño para empresas. Actualmente ofrece sus servicios como ilustrador

para el proyecto de cortometrajes Batallón 52.

A demás, ferviente admirador del arte y las historias bien contadas,

es por eso que es el cómic su literatura favorita.

CRIMEN:

"¡Que se declare en huelga ahora!"

ERNESTO MACMILLAN 28/01/85. Guadalajara, Jal. México.

neogeo_mc28@hotmail.com

Ernesto McMillan alias el macato, macmaster o simplemente mac,

nacido el 28 de enero del 85 en Guadalajara. Segundo hijo de una

familia normal, asesino de corazón, Diseñador Grafico del CUAAD U de G

por profesión.

Incursionado en los bajos mundos de las imprentas de las nueve

esquinas, antiguo miembro de la Máquina Estudio Creativo y actual

exiliado del Batallón 52… quien sabe que será la próxima semana.

¿Su pasión? Su libertad y la sensación de poder hacer lo que le plazca

en el instante que quiera… No muy seguido le dan ganas de hacer cosas…

pero cuando le dan ganas…

CRIMEN:

"Matar, matar sin compasión para seguir adelante, para allanar el

camino, para no cansarse. Un cadáver aunque esté blando es un buen

escalón para sentirse más alto. Alza. Matar, acabar con lo que molesta

para que sea otra cosa, para que pase más rápido el tiempo. Servicio a

prestar hasta que me maten; a lo que tienen perfecto derecho"

SAMUEL MERCADO MUÑOZ 24/07/79

Nace en Guadalajara, Jalisco un 24 de Julio de 1979. Hasta hoy en su

intimidad mental ha ido construyendo mecanismos que le permitan "el no

ser indiferente" a lo que al corazón le parece grato, como ejemplo, un

buen trozo de papel, una buena tinta, una paleta sobria y crear

imágenes inquietantes...

ALICE HÉDOUIN 19/01/86. Mont-Saint-Aignan, Francia.

Me llamo Alice Hédouin, nací en Mont-Saint-Aignan el 19 de enero de

1986. Estudie Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes de Rouen

y en la Universidad de Amiens en Francia.

Trabajo con imágenes bidimencionales. Me gusta mezclar aspectos de

diferentes lenguajes visuales, tanto fotográficos, gráficos y hasta

cinematográficos. Me gusta el collage: recortar, sustraer, añadir,

imponer nuevos sentidos a imágenes preexistentes. Elaborar un nuevo

orden que re-contextualice una imagen dada.

MAKEBA GIL

miriamakeb@hotmail.com

Mi nombre es Makeba Gil, maker… Soy estudiante de diseño para la

comunicación gráfica en la Universidad de Guadalajara, también he

hecho un ciclo de estudios en Artes Plásticas en la Escuela de

Arquitectura de Normania, Fancia.

He elaborado diversos proyectos visuales que van desde revistas,

ilustraciones, creación de marca y productos de diversa índole.

Soy una apasionada de las artes visuales y de compartir momentos.

ELIZABETH PERFECTO OCHOA

perrfecto@gmail.com

Nace en Guadalajara, Jalisco un 15 de Enero de 1983 con los huesos largos.

Hoy aun mas largos, ha decidido aceptar su condición de jugarse ante

la extraña belleza y maldición de las pruebas de resistencia e

ingenio. Aprendiendo y desaprendiendo sigue gustando de construir

imágenes, de cometer silenciosas lecturas visuales siendo observador y

observado.

CRIMEN:

"Usted no ha matado nunca a nadie por aburrimiento, por no saber que

hacer? Es divertido."

ALMA ANGÉLICA CANCHOLA DELGADO

amy_la257@hotmail.com

Apodada cristianamente por mis padres como Alma Angélica Canchota

Delgado; siempre he tenido la mala costumbre de firmar todo garabato

que hago bajo mi nombre "Alma" con al esperanza de que suene

artístico.

Soy licenciada en Ciencias de la Comunicación con ímpetus de artista

(más ímpetu que artista, pero me esfuerzo); tengo una afición y por lo

tanto una tendencia muy clara a las caricaturas, en especial a el

Manga-anime y Disney (weird mix isn't?).

Me apasiona todo lo relacionado a la cultura y los movimientos

sociales tanto nacionales como internacionales, por lo que la mayoría

de los proyectos que he realizado han tenido relación a ello

(proyectos de publicidad en pro a la sensibilización infantil y la

discapacidad visual; un proyecto para una ONG que apoya a migrantes

indígenas, entre otros.) Actualmente participa en el proyecto de

cortometrajes Batallón 52

CRIMEN:

"Usted no ha matado nunca a nadie por aburrimiento, por no saber que

hacer? Es divertido."

Este crimen me recordó muchísimo a la dualidad y la mezcla entre

tierno y terrorífico (cursi y sádico) que manejan los personajes

zombies de un artista norteamericano llamado Jeff Thomas... esta

ilustración y su estética pretende ser un tributo a su obra.

JONAS ACOSTA

jonas.acosta@gmail.com

Es el creador del Niño Zombie Cabeza de Galleta, si no lo conoces

es que vives en una cueva debajo del mar. Bob Es-pon-ja!

Además de crear galletas antropomorfas, creador de un gran número de

personajes de estética extrañamente peculiar como el gran moco de

Juanito, de la tira Zombie Corre Juanito corre publicado en la revista

KY.

Miembro del estudio creativo Juanito AC culpable de convocar seres de

ultratumba en el festival "Día del ZOMBIE", ha destrozado los oídos de

unos cuantos con su ya aclamado set latino.

Su labor multidisciplinaria le ha traído gratas catástrofes como la

que ahora lo tiene participando en el proyecto de cortometrajes

Batallón 52.

CRIMEN:

"Es tan sencillo: Dios es la creación, a cada momento es lo que nace,

lo que continúa, y también lo que muere. Dios es la vida, lo que

sigue, la energía y también la muerte, que es fuerza y continuación y

continuidad. ¿Cristianos estos que dudan de la palabra de su Dios?

¿Cristianos esos que temen a la muerte cuando les prometen la

resurrección? Lo mejor es acabar con ellos de una vez. ¡Que no quede

rastro de creyentes tan miserables! Emponzoñan el aire. Los que temen

morir no merecen vivir. Los que temen a la muerte no tienen fe. ¡Que

aprendan, de una vez, que existe el otro mundo! ¡Sólo Alá es grande!".

MARIA DE LOS ANGELES VARGAS CÁRDENAS

todo_es_tan_normal@yahoo.com.mx

De paso me evito escribir una brevísima trayectoria (que en realidad

viene a ser nula), que seguro me haría sufrir con esa media cuartilla:

si del 99 al 2002 estudió electrónica y pasó las mañanas en el billar,

después de maquinar algunos guiones con amigos se decidió por estudiar

cine, pero los trabajos universitarios extrañamente se volcaron a la

animación, un par de proyectos que detesta terminaron en un festival y

ahora busca cómo recuperar las copias para prenderles fuego y que no

haya evidencia de tan aberrante material... y no sé, quizá como

Christian pondría: actualmente se encuentra probando suerte con becas

y (cito textualmente): "goza de buena salud".

CRIMEN:

La hendí de abajo a arriba, como si fuese una res, porque miraba indiferente al techo mientras hacía el amor

CHRISTIAN ALAIN VÁZQUEZ CARRASCO

christianforever@hotmail.com

Una cálida mañana de mayo, contemplando la pared de mi cuarto y

pensando en como mi futuro, como una estrella fugaz, iba en picada y

rumbo a una colisión inminente, me decidí por estudiar animación.

Evidentemente no tenía muchas opciones: detective, astronauta o

astrodetective en el mejor de los casos.

Tras pasar dos años y medio en una universidad ficticia tuve que

empezar nuevamente de cero los estudios (de astrodetective no hubiera

pasado por esas penurias, pero ya estaba medio encarrerado y no era

igual de joven, asi que me decidí a terminar la carrera) Mágicamente,

todos esos años de ocio que pasé dibujando rindieron frutos, y ahora a

mis casi 26 años puedo decir que soy un animador. Trabajé como

diseñador de personajes en el corto "del como los niños pueden volar"

de Leopoldo Aguilar ganador de IMCINE, he hecho animaciones para

comerciales, trabajé de diseñador de personajes en Batallón 52, y como

animador en cortometrajes de Rigo Mora.

Actualmente, estoy retirado del trabajo, o dicho de una manera más

vulgar: desempleado. Paso las tardes viendo atardeceres, tomando

siestas, y contemplando la pared nuevamente.

CRIMEN:

Desde que nació aquel escuincle no hacía más que llorar, a mañana, tarde y noche.
Cuando mamaba, cuando no mamaba, cuando le daban su botella, cuando no le daban su botella; cuando lo paseaban y cuando no, cuando lo dormían, cuando lo bañaban, cuando lo cambiaban cuando lo sacaban de la casa, cuando lo volvían a meter. Y yo tenía que acabar ese artículo.
Había prometido entregarlo a las doce. Era un compromiso ineludible con mi compadre Ríos.
Y yo soy cumplidor. Y ese escuincle llora, y llora, y llora. Y su mamá...
Bueno, de su mama mejor no hablamos. Lo tiré por la ventana. Les aseguro que no había otro remedio.

MONTSERRAT RAMOS

montsemilk@gmail.com

Entre los mundos visuales de su producción fotográfica, lo siniestro

y lo cotidiano toman forma entre paletas cromáticas de un óxido

saturado lleno de esa extraña sensación melancólica que invade los

objetos no vividos, los espacios no conocidos. Un anhelo de lo que

nunca fue; la búsqueda inmóvil de la mirada frente a lo cotidiano.

Muestras de lo que se espera, rastros del feeling de una generación

sin compromisos ideológicos, que vienen en un vaivén superfluo de

tendencias modales.

Parte de la selección oficial del concurso "Arte Joven", Montserrat

Ramos genera para sí una búsqueda incansable de nuevos medios que

destruyan el lastre del formato unidimencional del papel fotográfico

imprimiendo en acrílicos, telas, resignificando el medio para reforzar

su discurso visual.

YOLLIZTLI RUIZ. 08/01/09

yolliztli@gmail.com

Creadora de mundos visuales, gusta de las construcciones,

destrucciones y reconstrucciones del juego de los signos. En su bagaje

creativo ha elaborado escenografías para producciones teatrales y

diseño de vestuarios, mundos cuya presencia efímera fascinan su

energía creativa; ilustraciones gestadas con la idea de Vicente Rojo

-hay que democratizar la imagen- para proyectos de diversos índoles

generadas para diversos públicos. Entrega su energía y tiempo a

buscarle tres pies al gato teniendo la firme convicción de que el

mundo no es otra cosa que un juego lingüístico perfectamente variable.

Vagando de un lado al otro, encuentra su único continuo en la pintura,

en dónde crea para sí un mundo más asequible, digiriendo a través de

éste sus vivencias reales o ficticias.

Actualmente disfruta del enfrentamiento al mundo audiovisual,

participando en el proyecto de cortometrajes Batallón 52 como

diseñadora de personajes y animadora.

CRIMEN:

“LO MATE porque tenía una pistola. Y da tanto gusto tenerla en la mano!”

FHARYDE AZPEITIA. 13/08/82

fazpeitias@hotmail.com

Dj por profesión, ha incursionado en el versátil mundo de la gráfica

creando un gran número de imágenes para diversos eventos y colegas de

la escena electrónica de la República. Apasionada de la tecnología,

gusta de mezclar mundos con una vena pasional que llena de energía y

movimiento todo lo que hace. Las chaquetas mentales no son algo que

conviva dentro de los perfiles artísticos de sus producciones, creando

para sí un mundo contrastante de estéticas crudas y sin tabús dentro

de la óptica ingenua con que un niño vivencía sus primeras acciones.

CRIMEN:

“ÍBAMOS COMO SARDINAS y aquel hombre era un cochino. Olía mal. Todo le

olía mal, pero sobre todo los pies. Le aseguro a usted que no había

manera de aguantarlo. Además el cuello de la camisa, negro, y el

cogote mugriento. Y me miraba. Algo asqueroso. Me quise cambiar de

sitio. Y, aunque usted no se lo crea, aquel individuo me siguió! Era

un olor a demonios, me pareció ver correr bichos por su boca. Quizá lo

empuje demasiado fuerte. Tampoco me van a echar la culpa de que las

ruedas del camión le pasaran por encima.”

VICTOR SPRINT NOVA

juanito_ac@hotmail.com

Victor Sprint Nova nació en la vecindad de Tolouse, Francia por allá

del siglo XIX, se formó como cartelista hasta que sus padres lo

desheredaron y murió de cirrosis. Ahora reencarnado, pero igualito, es

el ilustrador y creador del cómic Real Astral, así como fantástico

beatboxer.

Será por su larga vida que es ávido en contar historias, exponer temas

magistralmente que conoció hace dos segundos e idear proyectos

ingeniosos que agrupan talentos ociosos. Aunque sus gustos musicales a

veces dejan mucho que desear, Victor es el creador de la idea del

festival "Día del ZOMBIE", miembro del estudio creativo Juanito AC en

el que incuba con gran pasión ideas en extremo anacrónicas y geek.

CRIMEN:

LO MATÉ en sueños y luego no pude hacer nada hasta que lo despaché de verdad. Sin remedio.

MARIO RUIZ

pepez_grillos@hotmail.com

Es diseñador y maestro de ortografía de Juanito AC estudio. Sin duda

uno de los grandes talentos del cómic y groupie de Mike Patton. Tiene

un PS3, pero nomás un control, por eso no invita a sus amigos a jugar.

Aunque en un futuro lo veremos calvo por su extraña manía de hasta en

primavera ponerse un vinnie, tenemos la sospecha de que ahí resguarda

la paciencia para hacer retoques fotográficos, montajes y ediciones

impresionantes. Colorista del cómic Real Astral con el cual gano la

beca Jóvenes Creadores, es miembro del estudio creativo Juanito AC y

creador de la tira zombie "Tu biblia, tu túnica y tu escopeta"

publicado en la revista KY. Actualmente participa en el proyecto de

cortometrajes Batallón 52.

CRIMEN:

"Empezó a darle vuelta al café con leche con la cucharita. El líquido llegaba al borde, llevado por la violenta acción del utensilio de aluminio. (El vaso era ordinario, el lugar barato, la cucharilla usada, pastosa de pasado.) Se oía el ruido del metal contra el vidrio. Ris, ris, ris, ris. Y el café con leche dando vueltas y más vueltas, con un hoyo en su centro. Maelstrom. Yo estaba sentado enfrente. El café estaba lleno. El hombre seguía moviendo y removiendo, inmóvil, sonriente, mirándome. Algo se me levantaba de adentro. Le miré de tal manera que se creyó en la obligación de explicar:

--Todavía no se ha deshecho el azúcar.

Para probármelo dio unos golpecitos en el fondo del vaso. Volvió en seguida con redoblada energía a menear metódicamente el brebaje. Vueltas y más vueltas, sin descanso, y ruido de la cuchara en el borde del cristal. Ras, ras, ras. Seguido, seguido, seguido sin parar, eternamente. Vuelta y vuelta y vuelta y vuelta. Me miraba sonriendo. Entonces saqué la pistola y disparé."

FELIPE BARROSO

pancelmo2000@hotmail.com

Soy un entusiasta de las plásticas, estudiante hasta la fecha, me

encanta crear y explorar nuevos medios de expresión. La vida me a

llevado a conocer grandes gentes que me han guiado por pequeñas

veredas que poco a poco se han convertido en caminos. Para mi el crear

es una forma de entender la vida y analizar quien soy, de donde vengo

y a donde voy.

GUSTAVO MUÑOZ MENDOZA

guz_77@hotmail.com

Egresado de la carrera de Diseño Publicitario del CUAAD. Campus

Belén, de la Universidad de Guadalajara; con un Diplomado en Animación

Clásica 2D dentro de la misma universidad y otro diplomado en

Animación 3D en el CAAV dentro de su trayectoria. Ha laborado en MW

Comercialización SA de CV diseñando imagen publicitaria para ferias

estatales y carros alegóricos para desfiles en las mismas junto con

storyboards para comerciales.

Actualmente labora en el proyecto de cortometrajes "Batallón 52".

CRIMEN:

"AQUEL ACTOR era tan malo, tan malo que todos pensaban -de esto

estoy seguro- «que lo maten». Pero en el preciso momento en que yo lo

deseaba cayó algo desde el telar y lo desnucó. Desde entonces ando con

el remordimiento a cuestas de ser responsable de su muerte. "

VICTOR M. LÓPEZ VIERA. Tuxpan, Jalisco.

vampyrufo@hotmail.com

Egresado de la Escuela de Artes Plásticas, su energía

autodidacta lo llevó por caminos digitales especializándose en la

ilustración por computadora empleando softwares que no se mencionaran

para no llamar a alguna auditoria. Entre su largo bagaje creativo y

profesional, ha fungido como Coordinador del departamento de arte en

la agencia Rossec de Guadalajara, Jalisco; dibuja y coproduce el cómic

Xihucoatl (la

serpiente de fuego.); trabajó en el departamento de diseño en el

zoológico de Guadalajara; creó el estudio y productora de cómics Viera

y Panteras con Jobito Panteras; fue co-creador de Yaoyotl teteo el

primer cómic virtual en la Web desde Guadalajara; ilustrador en:

“Historias fuera de este mundo” para el grupo de rock punk Garigoles;

ilustrador en la agencia Procrea; ilustrador en la revista de

Coparmex; ilustrador de las portadas para Skorcho, Khafra y otros

grupos; realizo las pinturas en gran formato “intocable” expuestas en

el museo de la U de G en el marco del festival Chroma; Expuso en

Tuxpan Jalisco con un grupo de amigos artistas; realizo “el

Indoblable” historieta para el Frente Cinéfilo Contra el Doblaje;

fundador del estudio del estudio de ilustración Gato Negro; impartió

clases de dibujo e historieta en el instituto Vancouver; impartió de

conferencias sobre creatividad en algunas escuelas; ilustrador en el

video “Celoso” del cantante Chalinillo; con el Cineasta Beto Gómez,

Francisco Payo y el Panteras arman la antología “Quinteto para Cómic”

presentado en la FIL por José Fors; portada del Ocio (periódico

Público.) numero:384; Colabora en con la tira cómica “Paco Notamocha”

para el semanario Ocio; Realizó arte para el video “Espiral” de

Porter; historyboard para Beto Gómez; colaborador en la revista CUASS;

realizó el arte para el mas reciente disco del grupo de rock CUCA;

Historyboard para la canción “mátame antes” de CUCA; diseñó vestuarios

y props para la opera rock “Frankenstein” de Jose Fors; diseñó

personajes y vestuarios para un corto de Oscar del Río.

Actualmente prepara: Un nuevo proyecto con José Fors; escribe una

nueva serie de historias cortas para realizarse en cómic; además de

trabajos de ilustración comercial publicitaria; expone sus trabajos en

galerías virtuales; y labora en el proyecto de cortometrajes Batallón

52.

LUIS PABLO POLANCO CARRANZA

requiem05@hotmail.com

Nacido un 5 de noviembre, aunque su acta marque el 2 y digan que le han traido los muertos, anda mas vivo que nunca.

Enamorado de los sentidos, su busqueda perpetua ha consistido en agudizarlos o menguarlos cuando lo amerita. Esto le ha ayudado a desarrollar su habilidades creativas y pulir su arte, arte que hace por mero gusto.

IPSAIM RUIZ 14/11/81

ipsaim@hotmail.com

Egresado del CEDART José Clemente Orozco en secundaria y preparatoria y de la escuela de la Licenciatura en Artes Visuales, con especialidad en Fotografía dentro de la UdeG.

Ha tomado entre otros: Curso-Taller de “Documentación, Inventario y Catalogación de Bienes Museológicos” por parte de la Secretaria de Cultura del estado de Jalisco a través de la Dirección de Museos. Diplomado en Museología y Museografía impartido por la Dirección de Museos de Secretaria de Cultura, en coordinación con la Universidad de Guadalajara, CUAAD, CONACULTA y ECRO.

Lic. en Desarrollo Cultural en la Universidad Autónoma de Nayarit, ubicada en la ciudad de Tepic.

Entre sus exposiciones individuales destacan: “Carpeta de Viajero” en el Museo del Periodismo(Casa de los perros); ”Postal Abstracta” en el Museo de las Artes Populares de Jalisco; Café-Galería Andre Bretón bajo el titulo “1 en 2”;

exposición en el café galería “Casa Tortuga” titulada: “La línea de una vida”; “4 años, 2 ópticas distintas perspectivas” en la Fundación Nayarit; “Y sin embargo” Café Ocio, Mazamitla Jalisco.

Y entre sus colectivas: Concurso Fotográfico “Lola Álvarez Bravo” dentro del marco de exposiciones de Foto Septiembre, en la Galería “Jorge Martínez“; “República de Artistas” La Habana, Cuba; “Quiero ver sangre” en el Ex-convento del Carmen; Colectiva en honor a Juan Rulfo en el museo de las Artes Populares de Jalisco titulada “Un tal Pedro Páramo”; Exposición colectiva miradas de Jalisco, en Casa Escorza, Cultura UdeG; Exposición colectiva “Historias de cronopios y de famas” Centro Cultural Casa Vallarta.

Entre sus participaciones destacan: Fotografía de portada del libro “La Noche” co-edición entre Acequia /Acento editores. De José Ruiz Mercado; Fotografía de cubierta del libro “Perla” publicado bajo el apoyo de Acequia, secretaria de cultura y CONACULTA. De José Lira; Fotografía de cubierta para el libro “Otra Cara (ponla ya)” de J.R.M. edit. Paraíso Perdido Guadalajara, Jalisco, México; Diseño de cubierta y fotografías, así como la imagen promocional del libro: “Estética: Identidad Cultural” publicación bajo el apoyo del Programa Nacional de Educación Artística (CONACULTA-INBA) 2001/2002,en conjunto con el colectivo Villete; Aporta las fotografías de portada y contraportada del libro “El señor de las termitas”, de Sergio Jesús Rodríguez de Acento Editores; Diseño de cubierta y fotografías para el libro “Malditos” de J R M de Plaza Editores.

Ha hecho el Arte para los discos: “Why You?” de Siddhartha; “Amanecer Fantastik” de Plastiko.

CRIMEN:

“LO MATE porque tenía una pistola. Y da tanto gusto tenerla en la mano!”

DON DIABLO

Mejor conocido por su familia y los tramites legales como Jesús Guzmán Aguilera este individuo dícese dedicarse al diseño gráfico, también dicen los entendidos (que no son mucho ni son tan entendidos) que se dedica a enseñar a la gente a como usar los programas esos que hoy son mero pretexto para decirse diseñador.

La realidad radica en que es ilustrador, comiquero, narrador y jugador empedernido (de Dungeons & Dragons). Miembro de Juanito ac estudio Ha participado en proyectos de ilustración tales como Las crónicas de Francis J. Shaggstone, el Día del Zombie en Guadalajara, participa en este ultimo proyecto con las tiras cómicas Zombies en Guadalajara y Punc Roquer Mata-zombies; participa en la revista KY con pequeñas historias de cómic así como las crónicas de una gran guerra intergaláctica en la tira Starky + Sparky Invasión.

Sobre crímenes sabe poco, solo lo que termina dibujando en sus historias que por alguna razón, en un 90% de las ocasiones, terminan en muerte sin hacer distinción en a quien le echaran la culpa de la sangre desparramada.

CRIMEN

Hablaba, y hablaba, y hablaba, y hablaba, y hablaba, y hablaba, y hablaba. Y venga hablar. Yo soy una mujer de mi casa. Pero aquella criada gorda no hacía más que hablar, y hablar, y hablar. Estuviera yo donde estuviera, venía y empezaba a hablar. Hablaba de todo y de cualquier cosa, lo mismo le daba. ¿Despedirla por eso? Hubiera tenido que pagarle sus tres meses. Además hubiese sido muy capaz de echarme mal de ojo. Hasta en el baño: que si esto, que si aquello, que si lo de más allá. Le metí la toalla en la boca para que se callara. No murió de eso, sino de no hablar: se le reventaron las palabras por dentro.

.::CONVOCATORIA. VIDA 12.0

2009-07-17T08:35:00.000-07:00

Convocatoria VIDA 12.0

VIDA 12.0 - PROYECTOS FINALIZADOS

VIDA 12.0 premia obras artísticas desarrolladas con tecnologías de vida artificial y sus disciplinas asociadas: la robótica, la inteligencia artificial, etc. Se buscan obras de arte que tengan comportamientos emergentes, que evolucionen con el tiempo, que reaccionen a su entorno y que parezcan tener vida propia. VIDA 12.0 también busca proyectos que relacionen lo tecnológico con lo biológico, y que investiguen las características sintéticas de la vida contemporánea.
En años anteriores se han premiado proyectos artísticos realizados con robots, avatares electrónicos, algoritmos caóticos, knowbots, autómatas celulares, virus informáticos, ecologías virtuales que evolucionan con la interacción del participante, arquitecturas interactivas, obras de realidad aumentada y trabajos que profundizan en aspectos sociales de la vida artificial.
Se destinará un total de 40.000 euros para los tres proyectos seleccionados por el jurado: Primer Premio: 18.000 euros (*), Segundo Premio: 14.000 euros (*), Tercer Premio: 8.000 euros (*). Las piezas premiadas tendrán la posibilidad de ser exhibidas en la Galería Virtual de Fundación Telefónica así como en las exposiciones que organice o en las que participe, relacionadas con el arte y las nuevas tecnologías.
Las obras de arte que se presenten a VIDA no deben tener más de dos años de antigüedad. Esta condición hace posible que el Concurso se mantenga al corriente de los cambios tecnológicos que ocurren en la disciplina de la vida artificial.

VIDA 12.0 - INCENTIVOS A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA EN IBEROAMÉRICA, ESPAÑA Y PORTUGAL

La segunda modalidad del Concurso Internacional VIDA 12.0 tiene el objetivo de financiar proyectos artísticos de vida artificial (y sus disciplinas asociadas) que aún no han sido realizados. El concurso está abierto a participantes de toda Iberoamérica, España y Portugal.
Dotada con 40.000 euros (*). esta modalidad premiará de una a tres propuestas que aborden un concepto relevante en el terreno de la vida artificial y demuestren la capacidad del artista para producir la pieza así como una destacada calidad en sus obras anteriores.

INSCRIPCIONES

Para inscribirse a ambas modalidades ("Proyectos finalizados" e "Incentivos a la Producción Artística en Iberoamérica, España y Portugal"), lea atentamente las BASES DEL CONCURSO y rellene la SOLICITUD DE INSCRIPCIÓN. Todo el material deberá entregarse antes del 1 de octubre de 2009, a cualquiera de las sedes de Fundación Telefónica en España (Madrid) o Iberoamérica (México D.F., Sao Paulo, Buenos Aires, Santiago de Chile y Lima), cuyas direcciones encontrará en los impresos.

También podrá enviarse la solicitud de inscripción a la dirección de correo electrónico vida@telefonica.es siempre y cuando el solicitante habilite una url que contenga el resto de material audiovisual requerido.

FECHAS

Plazo de entrega de proyectos: del 6 de julio del 2009 al 1 de octubre del 2009

JURADO

Los trabajos presentados serán examinados por un jurado internacional compuesto por: Mónica Bello Bugallo (España), Daniel Canogar, (España), Karin Olenschläger (Alemania/España), José-Carlos Mariátegui (Perú), Simon Penny (EE.UU/Australia), Nell Tenhaaf (Canadá) y Francisco Serrano (Director General de Fundación Telefónica).

CONSULTAS

Los solicitantes pueden consultar los proyectos galardonados en años anteriores en la página web de VIDA, > Ediciones Anteriores, para determinar si su proyecto se ajusta a la filosofía del premio. Si tiene alguna duda puede consultar el apartado > Preguntas Frecuentes.
También puede ponerse en contacto enviando un correo electrónico a la dirección vida@telefonica.es o llamando al (0034) 91 584 23 00.

(*) Las cuantías de los premios estarán sujetas a las retenciones establecidas por la legislación española y vigentes en el momento del pago impuestas por las leyes vigentes en España. En los casos en los que existan acuerdos entre España y los países de residencia fiscal de los premiados, la retención podrá evitarse presentando el correspondiente certificado.

.::CONVOCATORIA. Adherible

2009-07-10T13:17:00.000-07:00

DE BLOG A BLOG, aqui una convocatoria sacada del blog: http://www.adherible.blogspot.com/

cortesia de Fha

Convocatoria:

1er Concurso de Ilustración INSANE 09

INSANE compañía mexicana informa de la convocatoria para concurso de Ilustración

1.- Participantes

El concurso está abierto a cualquier participante de forma individual o colectiva, siendo estos residentes en MEXICO.

Podrán presentar trabajos originales. No se admitirán obras presentadas en otros certámenes, ni que hayan sido publicadas en ningún medio incluido Internet.

2.- Entrega y formato

La fecha límite de los envíos será el día 15 de julio del 2009.

La temática será libre.

Deberán enviarse un máximo de dos obras en formato JPG 3300 x 5100 pixeles a la siguiente dirección de e-mail direccion@insane.com.mx con copia a concurso.insano@gmail.com adjuntando:

Titulo de la obra

Nombre o seudónimo del autor.

Datos personales completos:

Nombre, apellidos, dirección, ciudad, teléfono, correo electrónico.

4.- Premiación

El fallo del concurso se realizará en una única fase y contará con un jurado especializado miembros de INSANE.

Todos las ilustraciones serán expuestas en la fiesta el sábado 18 de julio a partir de las 6:00 p.m. en Andador J. Pani 116 C.C. Expoplaza Aguascalientes, Ags., Donde también se darán a conocerlos ganadores.

En caso de no poder asistir a la premiación los ganadores serán informados el 19 de julio de 2009 vía correo electrónico.

Las tres obras premiadas pasaran a formar parte de la colección INSANE y se imprimirán en playeras.

El primer lugar recibirá una tableta digitalizadora marca Wacom

El segundo lugar recibirá una tableta digitalizadora marca Genius

El tercer lugar recibirá un kit de rotuladores

Para cualquier informe sobre el concurso favor de dirigirse a los siguientes teléfonos.

Tel. 449 917 96 86

Nextel. 62*341287*4

Aguascalientes, Ags. 2009